Música Estranha e Boa

Banda: Sparks; Álbum: Kimono My House

2012-02-09T03:17:00.003-02:00

Banda: Sparks
Álbum: Kimono My House
Ano: 1974
Gênero: Glam rock; pop

Finalmente uma resenha de um álbum que pode ser classificado, de certa forma, como glam rock, um gênero que é impiedosamente massacrado e confundido. Não tem como eu falar de Sparks e da história do rock and roll nos anos 70 sem explicar o que é esse estilo e quem são seus herois.

O glam rock é um estilo nascido na Inglaterra no comecinho dos anos 70. Musicalmente falando, é um rock and roll carregado de sensualidade e irreverência, e isso se reflete muito (e não há como frisar esse muito suficientemente) no visual das bandas. O visual, aliás, é uma das peças-chave do glam – termo que remete a glamour. Valia tudo: botas-plataforma, maquiagem, roupas brilhantes, cachecóis, permanentes, glitter e por aí vai.

É geralmente aceito que o glam rock nasceu quando uma banda chamada Tyranossaurus Rex, liderada pelo eterno Marc Bolan, mudou de nome para T. Rex, trocou os violões pelas guitarras elétricas e lançou o single Ride A White Swan em outubro de 1970. A música aos poucos ganhou as rádios britânicas e conquistou o público com sua batida simples, guitarra-chiclete e a voz peculiar de Bolan. Mas não há glam rock sem imagem, e o T. Rex realmente começou a fazer história a partir desta apresentação, na qual Bolan e a banda aparecem usando roupas brilhantes e glitter:

Em 1971 o T. Rex lançou o essencial Electric Warrior (praticamente a enciclopédia do glam rock), mas o auge do estilo foi, sem dúvidas, 1972, quando a banda de Bolan se consolidou com The Slider, o Roxy Music lançou seu debut auto-intitulado e principalmente quando David Bowie lançou seu inacreditável The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars.

Esse álbum foi essencial para a difusão do estilo além-Reino Unido. Bowie conquistou fama internacional e levou a febre do glam rock para os EUA, influenciando nomes como LouReed e Iggy Pop (basta ver as capas de Transformer e Raw Power para entender o que eu estou falando). Além disso, a abordagem de Bowie era mais criativa que a de seu amigo Bolan, levando o estilo a um patamar mais elevado - fãs de T. Rex, não me crucifiquem! Eu adoro a banda, mas se compararmos Bowie e Bolan de 1970 até 1977 esse ponto de vista se sustenta quase sem argumentação.

De qualquer maneira, tudo isso para chegar até o Sparks. A banda, liderada pelos irmãos Ron e Russell Mael, nasceu nos EUA em 1968 com o nome de Halfnelson. O estilo deles nessa época era próximo ao pop/rock psicodélico, e não demorou para que o produtor e músico Todd Rundgren (que também é deveras talentoso, tendo lançado álbuns ótimos como Something/Anything e A Wizard, A True Star) os descobrisse. Lançaram um álbum auto-intitulado que vendeu muito mal, mudaram o nome da banda para Sparks e lançaram o álbum A Woofer In Tweeter’s Clothing. Esse álbum rendeu a eles uma turnê pela Inglaterra e uma apresentação na BBC na qual o apresentador Bob Harris os classificou como “uma mistura entre os Mothers Of Invention (banda de Frank Zappa) e The Monkees.

Em 1973, o Sparks se mudou de vez para a Inglaterra a convite da gravadora Island Records. Os irmãos aceitaram e mudaram-se para Londres, mesmo sem ter nenhuma música nova.

Esse problema seria resolvido durante o verão por Ron. Com um piano e um violão, ele compôs um conjunto de músicas com um padrão de qualidade nunca antes atingido pela banda – as músicas que estariam em Kimono My House. As músicas incorporavam elementos interessantíssimos, como música clássica e rock – algo que não era tão apreciado nos EUA, mas que fazia um sucesso enorme no Reino Unido; eles chegaram a se apresentar para uma plateia de seis pessoas nos EUA, mas lotavam as casas de shows em Londres.

Além das composições únicas, a banda se destacava pela presença de palco interessantíssima: enquanto o vocalista Russell Mael era extravagante e hiperativo, dando pulinhos e fazendo caras e bocas, seu irmão Ron era o oposto, com uma expressão fixa, vestido com roupas sociais e seu bigodinho à-lá Hitler. Falemos, enfim, de Kimono My House.

Lançado em 1974, trata-se do primeiro álbum da banda na Inglaterra. Foi muitíssimo bem sucedido em muitos sentidos, e é certamente o álbum mais importante do Sparks – Kurt Cobain, o falecido frontman do Nirvana, e Morrissey, ex-frontman dos Smiths, citam este álbum em sua lista de favoritos – o último chegou a escrever uma carta para os irmãos Mael para agradecê-los por terem despertado seu interesse por música com Kimono My House. O que é sensacional sobre este álbum é que as músicas são incrivelmente extravagantes e urgentes ao mesmo tempo. Os ritmos e melodias são muito, mas muito inquietantes – no bom sentido. Algumas pessoas chegam a definir o estilo deles como um derivado do camp humour – um tipo de humor que é engraçado justamente porque é deliberadamente extravagante e ridículo.

Antes de falar das músicas, vou falar de outra parte do álbum que merece destaque: a capa. Sem nenhuma indicação na frente do nome da banda ou do álbum, traz apenas a foto de duas mulheres japonesas vestidas em trajes tradicionais (kimono) na frente de uma parede verde. Desafiador e muito incomum, até para os dias de hoje.

A faixa de abertura é talvez a música mais conhecida da banda: This Town Ain’t Big Enough For Both Of Us. Peculiaríssima, a música mostra bem o estilo do Sparks nesse álbum: dominado pelos teclados de Ron, com os únicos e agudos vocais de Russell em seu estilo operático cantando letras surreais e engraçadas. Começa com um teclado quieto, mas logo a voz e os riffs geniais da guitarra de Adrian Fisher, a bateria furiosa de Dinky Diamond e o baixo sólido de Martin Gordon dão um peso incrível a essa faixa memorável, que chegou a ocupar o segundo lugar nas paradas britânicas. Perfeita abertura para o álbum.

Amateur Hour começa com um riff frenético que tem a cara do Sparks. Frenética, foi o segundo single do álbum e alcançou o sétimo lugar nas paradas. A letra é um sarro e fala sobre como se deve treinar na prática sexual para se tornar um “profissional” – e que “ela vai fazer você perceber” quando você chegar lá. Os teclados de Ron e a bateria de Diamond são o grande destaque dessa faixa para mim.

Falling In Love With Myself Again é uma faixa esquisitíssima. É uma valsa meio dark, pesada, e com um toque daquelas canções tradicionais alemãs. Algumas passagens instrumentais são muito bem executadas e originais, com apenas o teclado, baixo e bateria levando a música. A parte em que a guitarra “pergunta” e o baixo “responde” é um show à parte.

Here In Heaven é espetacular. A melodia é belíssima e pesada ao mesmo tempo. A letra é um show à parte: fala de um garoto apaixonado que havia combinado de se suicidar junto com a namorada, mas na hora H apenas ele se matou. No fim, ele se encontra sozinho no paraíso sem ela. Tragicômica ao extremo, criativa e bonita.

Thank God It’s Not Christmas pode ser resumida em seu refrão: “Thank God it’s not Christmas, when there is only you and nothing else to do” – ou “Graças a Deus não é Natal, quando só tem você e nada mais para fazer”. Sensacional, novamente com uma melodia sombria e engraçada ao mesmo tempo, do jeito que só o Sparks consegue fazer. Os teclados dão um tom muito grandioso à música, principalmenten o refrão. Bela faixa.

Apesar da guitarra ser um instrumento “secundário” no Sparks, o talento do guitarrista consegue fazê-la sobressair em diversos pontos do álbum. Hasta Mañana, Monsieur começa com um teclado calmo, mas logo a música acelera e a guitarra de Fisher rouba a cena com riffs interessantíssimos. A letra fala sobre um rapaz tentando impressionar uma garota alemã falando uma mistura de inglês, francês e espanhol – como se fosse uma Michelle, dos Beatles, levada ao extremo do divertido.

Talent Is An Asset é uma das minhas preferidas do álbum. Abre com a batida direta e seca de Diamond e é uma pedrada do início ao fim, com algumas quebras rítmicas e melodias típicas do Sparks. Uma das faixas mais claramente influenciadas pelo glam rock, traz uma letra que fala de AlbertEinstein. Foi lançada como single nos EUA, mas fracassou – lembre-se que o Sparks, apesar de estadunidense, estourou primeiro no Reino Unido. O refrão “Talent is an asset, you’ve got to understand that” (Talento é uma qualidade, você precisa entender isso), cantado em falsete por Russell, fica na cabeça.

Complaints foi descrita por Ron como “três minutos de reclamações”. Mas a música é muito mais que isso; um glam pop grudento, com uma melodia criativa e um quê de punk rock, mostrando como o Sparks é bem sucedido em misturar estilos.

In My Family é uma das faixas que menos me chamou a atenção até eu reparar na letra sensacional, que fala sobre empresas e negócios familiares. Em certo momento, o narrador afirma que vai se enforcar na árvore genealógica. Sensacional, apesar de não se destacar tanto assim das outras.

O álbum fecha com Equator, um quase-blues cantado em um falsete extremamente agudo. A palavra equator vai ficar na sua cabeça por horas após ouvir essa música, que termina com uma longa improvisação vocal de Russell. Brilhante, triste e engraçada ao mesmo tempo.

Kimono My House é um álbum muito peculiar. Tem um estilo muito bem definido e único, muitíssimo criativo e é praticamente uma aberração até hoje. Vale muito a pena escutar.

Recomendadíssimo.

Tracklist:

Envie sua sugestão!

2012-01-29T20:42:00.002-02:00

Caros leitores,

Em primeiro lugar, gostaria de agradecer a todos aqueles que seguem este blog e o leem com regularidade. Muito obrigado! Graças a vocês eu mantenho este blog desde 2006.

Caso vocês tenham alguma sugestão ou dica, ou gostariam de saber mais sobre algum álbum ou banda, por favor comentem nos posts ou me escrevam. Todo feedback é muitíssimo bem-vindo! :)

Eis uma dica sobre o próximo review! ;)

Artista: Gil Scott-Heron/Brian Jackson; Álbum: Winter In America

2012-01-26T03:49:00.000-02:00

Artista: Gil Scott-Heron/Brian Jackson
Álbum: Winter In America
Ano: 1974
Gênero: Soul; Jazz-Fusion; Spoken Word

Bem-vindos ao primeiro post de 2012 aqui no Música Estranha e Boa!

O álbum que irei resenhar é um álbum colaborativo feito por dois músicos muitíssimo competentes, então nada mais justo do que eu explicar um pouco quem são eles, como acabaram se juntando e, então, falar deste disco maravilhoso chamado Winter In America.

Gil Scott-Heron nasceu em 1949 em Chicago e faleceu em 2011, com apenas 62 anos de idade. Filho de uma cantora de ópera e de um jogador de futebol, Scott-Heron teve uma infância complicada, mudando constantemente de casa devido ao divórcio dos pais e à morte da avó. Sempre foi muito talentoso, e um de seus textos impressionou o diretor de uma escola majoritariamente branca dos EUA, e graças a isso ele ganhou uma bolsa integral para estudar lá – detalhe que ele tinha apenas 12 anos na época e era um dos 5 alunos negros em toda a escola. Durante sua entrevista de admissão, o seguinte diálogo teria ocorrido:

-Como você se sentiria se, ao subir o morro a pé depois de sair do metrô para vir para a escola, visse um de seus colegas chegando de limusine?

-Da mesma maneira que você. Você não tem dinheiro para comprar uma limusine. Como você se sente?

O tempo passou e o promissor aluno entrou na Lincoln University, concluindo inclusive um mestrado em Creative Writing (escrita criativa) em 1972. Durante a faculdade ele conheceu seu parceiro em diversos álbuns, inclusive o aqui resenhado. Seu parceiro se chama Brian Jackson.

Jackson nasceu em 1952 no Brooklyn, EUA. Seu estilo único ao piano é inconfundível, e ele já foi muito sampleado por diversos rappers de diversas gerações. Seu nome passou a ser muito vinculado ao de Gil Scott-Heron durante os anos 70, o período mais produtivo e significante da carreira de ambos os músicos.

O primeiro álbum que os dois lançaram juntos, apesar de ser creditado na capa apenas à Scott-Heron, foi o aclamadíssimo Pieces Of A Man, de 1971. Este álbum trazia um dos trabalhos mais reconhecidos e importantes de Scott-Heron, a canção The Revolution Will Not Be Televised – um trabalho que ele estimava tanto que também havia estado também em seu álbum anterior, Small Talk At 125th and Lenox. Esta canção é a marca registrada do artista porque traz seu tema preferido – política, mais especificamente a situação do negro estadunidense – sendo executado em seu estilo mais característico – o spoken word soul, um tipo de “avô” do rap que traz poesias, geralmente de cunho social, recitadas ritmicamente sobre um pano de fundo musical, geralmente calcado no soul e no funk.

Mas Winter In America não é um disco de spoken word. Ele é muito mais que isso. Trata-se de uma viagem minimalista incrivelmente tocante, executada por músicos gabaritadíssimos.

Eu me lembro exatamente minha reação ao ouvir a voz de Gil Scott-Heron pela primeira vez. Eu falei exatamente isso:

-Puta que pariu, que voz é essa?

Ah, a voz de Gil Scott-Heron. Limpa, cristalina, grave na intensidade certa, com feeling. É realmente impressionante, ainda mais quando nos é apresentada em uma música tão bonita e tocante quanto Peace Go With You, Brother (As-Salaam-Alaikum). Trata-se de um desabafo sobre alguns representantes negros que estavam perdendo o foco e agindo de maneira hipócrita ou inadequada aos olhos de Scott-Heron. A melodia tocada por Jackson no piano elétrico somada à interpretação e aos versos nos entregam uma das melhores faixas do álbum logo de cara. Apenas para ilustrar, eis alguns versos:

“Peace to you, brother – don’t seem to matter so much now just what I say
Peace go with you, brother – you’re the kind of man who think he’s got to have his own way
You’re my father, you’re my uncle and my cousin and my son
But sometimes, sometimes, I wish you were not”

Ou seja:

“Paz para você, irmão – não parece que o que eu falo importa tanto agora
Que a paz vá com você, irmão – você é o tipo de homem que acha que deve seguir seu próprio caminho
Você é meu pai, você é meu tio e meu primo e meu filho
Mas às vezes, às vezes, eu queria que você não fosse”

Outra coisa que chama muito a atenção na música é como ela é guiada principalmente pelo piano e pelo baixo, com a bateria dando apenas alguns leves toques no prato de condução.

A segunda faixa é a longa Rivers Of My Fathers, uma música sobre a procura do homem negro moderno por suas origens, sobre seus questionamentos e preocupações. A levada da música é bem suave, com a bateria levando calmamente a música no aro da caixa e o piano de Jackson sempre bebendo da fonte do jazz. Na letra, o narrador sempre fala de “casa”, e apenas no final Scott-Heron deixa claro, em um sussurro, o que quer dizer: Africa. Tocante e bela.

A Very Precious Time é uma triste e bela canção de amor com uma letra nostálgica sobre inocência perdida. Após uma introdução com piano elétrico e flauta, Gil Scott-Heron canta melancolicamente:

“Was there a touch of spring?
Did she have a pink dress on?
And when she smiled her shyest smile, could you almost touch the warmth?
And was it your first love a very precious time?”

Em português:

“Havia um toque de primavera?
Ela estava com um vestido rosa?
E quando ela sorriu seu sorriso mais tímido, você quase pôde tocar o calor?
E o seu primeiro amor foi um momento muito precioso?”

A música não tem nenhuma percussão, e isso dá um tom ainda mais triste e belo para esta belíssima canção.

Back Home, por sua vez, é bem mais animada, falando sobre a importância de nunca se esquecer das origens e da família. “Eu tenho que voltar e ver a minha gente”. Simples e genial, realmente revigorante e animadora. Destaque para o dueto de flautas no meio da canção.

The Bottle foi o único single do álbum e traz um swing de primeira junto com a letra sobre alcoolismo. O ritmo quase latino fez grande sucesso, e ao ser questionado sobre isso Scott-Heron foi categórico: “Música popular não precisa ser uma merda”. De fato é uma ótima música, com uma letra sensacional sobre pessoas que se deixam seduzir demais pelo álcool e acabam “na garrafa”.

Terminada a paulada anterior, o álbum volta a ter um momento introspectivo com a bela Song For Bobby Smith, uma música sobre um garoto de 4 anos que, segundo a apresentação do próprio Gil no começo da música, estava com Brian Jackson no dia em que eles estavam compondo a música. O garoto gostou tanto da música que se apropriou dela, dizendo que “era dele”. Os músicos gostaram da ideia e a concederam ao moleque – um belíssimo presente.

Um dos momentos que eu particularmente mais gosto em todo o álbum é a lindíssima Your Daddy Loves You. A música, endereçada obviamente à filha de Scott-Heron, Gia Louise, é uma linda declaração de amor com uma melodia alegre (apesar da execução minimalista). “Your daddy loves you – your daddy loves his girl” – é impossível não sorrir. Ótima faixa.

Passado o momento “bonitinho”, Scott-Heron volta com tudo com a ácida H20 Gate Blues, uma paulada no puro estilo spoken word sobre, obviamente, o escândalo de Watergate. A letra é fenomenal, mas longa demais para eu colocar na íntegra aqui – por isso, faça um favor para você mesmo e clique aqui para lê-la. Isso sem contar os comentários muitíssimo bem humorados sobre o blues no começo da música (que, aliás, é um blues).

O álbum termina, finalmente, com uma versão bem mais curta de Peace Go With You, Brother.

Winter In America foge do convencional e nos mostra um som coeso e muito bem executado, com toda a banda no seu auge e composições originais e únicas. Música estadunidense negra setentista na sua forma mais sincera e seminal.

Recomendadíssimo.

Tracklist:

Artista: Jon Hopkins; Álbum: Insides

2011-12-29T06:07:00.000-02:00

Artista: Jon Hopkins

Álbum: Insides
Ano: 2009
Gênero: Música eletrônica; ambient; dubstep

Seja por preconceito ou desconhecimento, existem alguns gêneros musicais que são incrivelmente subestimados. O álbum aqui abordado traz influência de um desses gêneros: o ambient.

De certa maneira eu já falei de ambient neste blog quando resenhei o Low, do David Bowie. Para quem não sabe, trata-se de um gênero musical que tem suas origens lá no começo do século XX, nos movimentos futurista e dadaísta – mais especificamente com um músico francês chamado Erik Satie.

Satie começou a fazer experimentos que ele mesmo rotulava como “anti-música” ou “música de decoração”, um tipo de composição minimalista e repetitiva que serviria como um pano de fundo para atividades cotidianas e poderia facilmente ser ignorada – ao contrário de ser o foco da atenção. Esse mesmo conceito influenciou Brian Eno, o respeitadíssimo músico que já foi da lendária Roxy Music, trabalhou com Bowie no fim dos anos 70 e que é considerado o responsável pela criação do termo ambient music. No encarte do álbum Ambient 1: Music For Airports (o primeiro de uma série de 4 álbuns), Eno escreveu um tipo de manifesto que dizia: “a ambient music precisa ser capaz de acomodar diversos níveis de atenção do ouvinte sem focar em um em particular; precisa ser igualmente interessante e ignorável”.

O ambient, como praticamente todos os estilos musicais, se fundiou a outros e teve diversas crias. Devido ao enorme uso de sintetizadores, o flerte com a música eletrônica foi assaz bem sucedido e resultou em pérolas como o álbum aqui resenhado.

Jon Hopkins é um londrino nascido em 1979 e tem um currículo bastante interessante, tendo trabalhado com o próprio Eno e com o Coldplay. Ele se interessou por música eletrônica ao ouvir bandas como DepecheMode, New Order e Pet Shop Boys, dedicando-se ao piano e aos sintetizadores desde os 12 anos.

Insides é o terceiro e mais bem sucedido álbum da carreira solo do músico. Apesar de eu ter dado uma ênfase grande à influência de ambient, o álbum é muito mais que isso – basta escutar a primeira faixa, a quase acústica The Wider Sun, para notarmos que estamos diante de um álbum difícil de classificar. Instrumentos de corda tocam uma melodia calma e melancólica que poderia estar na trilha sonora de algum filme de ficção científica e de repente um barulho de água começa bem suave, com sintetizadores ao fundo dando um clima amplo e espacial; é a deixa de Vessel, com sua percussão eletrônica minimalista e baixo à-lá dubstep. A melodia do piano é simples e belíssima, mostrando bem a influência de Eno no som do rapaz.

A terceira música é a faixa-título (Insides, caso você tenha esquecido) é um exemplo de como as possibilidades da música eletrônica são intermináveis. Um ritmo truncado, com influências que vão do downtempo até o já citado dubstep, criam um ambiente sombrio e tenso, inquietante como um filme de suspense com robôs malvados.

Wire, por sua vez, é justamente o oposto. Aqui, Hopkins mostra seu lado mais pop com melodia e batida muito mais convencional que poderia tranquilamente ganhar uma letra e tocar em alguma estação de rádio não-tão-convencional. Uma boa faixa, bem destoante das anteriores.

Colour Eye varia momentos do chamado IDM (Intelligent Dance Music, um termo muito controverso também conhecido como art techno) com ambient de uma maneira balanceada e imprevisível. A música é turbulenta e surpreendentemente termina com quase um minuto de barulho de chuva.

A próxima faixa é a minha favorita do álbum. Com um nome audacioso, Light Through The Veins conseguiu, pelo menos para mim (que sou meio doido e sinestésico), criar de fato uma sensação de luz correndo pelas veias. Uma balada épica, com um crescendo incrível que se extende por quase 10 minutos, sempre repetindo a mesma melodia no bizarro compasso de 9/4 (eu contei certo? Corrijam-me, músicos de plantão!). A música vai crescendo aos poucos e ficando enorme, envolvente, até morrer aos poucos, sempre lentamente e progressivamente, fluida e sem nada abrupto. O Coldplay sampleou essa música em Life In Technicolor e certamente não foi à toa. Faixa épica e sensacional.

Hopkins contrasta a grandiosa faixa anterior com a calmíssima The Low Places. Parece ter saído da mesma parte do cérebro que compôs Vessel, com uma estrutura semelhante apesar de não ter características de dubstep. Esta é mais ambient que qualquer outra coisa, com batidas minimalistas que vão progredindo muito levemente. Bela faixa.

Small Memory é uma pequena faixa tocada no piano, com uma melodia bonita e lenta. Engraçado como o único filler do álbum é justamente a faixa que foge do ambient e serve apenas para conectar a faixa anterior a A Drifting Up. Pelo instrumental, a faixa poderia estar tranquilamente em Vespertine, um dos meus álbuns favoritos da Björk. Novamente Hopkins experimenta com microbeats e texturas, fazendo uma faixa bonita e hipnotizante. A música tem vários níveis, e escutá-la com fone de ouvido é uma experiência incrível.

A última faixa do álbum é a belíssima Autumn Hill. Novamente ao piano, Hopkins nos mostra sua versatilidade com um tema que poderia estar em qualquer filme triste. Muitíssimo bem executada e com barulhos de pássaros ao fundo, sempre criando uma atmosfera envolvente. Fecha com chave de ouro.

Insides é um ótimo álbum. Hopkins foi muito feliz ao montar a estrutura, a ordem das faixas, criando as nuances necessárias para que um disco seja mais que apenas um conjunto de faixas. Há faixas memoráveis e a execução é impecável. Coisa fina.

Recomendadíssimo.

Tracklist (clique para escutar):

Artista: Amon Tobin; Álbum: Permutation

2011-11-24T09:52:00.000-02:00

Artista: Amon Tobin
Álbum: Permutaton
Ano: 1998
Gênero: Música eletrônica, jazz

Quem ouve falar de um cara chamado Amon Tobin nem imagina que ele nasceu no Rio de Janeiro. O nome soa gringo, e de certa forma ele é mesmo: aos dois anos de idade se mudou com a família (obviamente) para o Marrocos, viveu em diversos países até se assentar na Inglaterra até 2002.

Foi na Inglaterra, aliás, que o rapaz se interessou por música eletrônica e, principalmente, pelo uso de samples. Pra quem não sabe, o sample é um trecho de uma outra música ou áudio que é reaproveitado de maneira diferente por outro artista. Amon se tornou muito bom nisso, e quando eu digo muito bom eu quero dizer um dos melhores do mundo.

Permutation é o terceiro trabalho de estúdio de Amon e é tido como uma de suas melhores obras. Ele foi buscar seus samples em artistas obscuros dos anos 40 e 50 e com isso criou um clima noir incrível, misturando metais com sintetizadores e levadas incríveis de bateria com drum machines. Um finíssimo trabalho de música eletrônica.

A faixa de abertura, Like Regular Chickens, já consegue prender a atenção do ouvinte de cara. Lenta e sombria de início, com um piano levíssimo e dark, a música se transforma progressivamente conforme a bateria vai se transformando de uma levada tranquila para um drum 'n' bass furioso - tudo feito com samples, mas majestosamente trabalhados por Amon. Belíssima abertura.

Bridge traz um swing arrastadíssimo, com bateria e baixo frenéticos e algumas texturizações com guitarras, saxofones e outros instrumentos. A música tem um clima lisérgico (outra característica recorrente no disco) e, de certa maneira, sexy. Nunca é demais repetir o quão prudente o brasileiro foi em escolher seus samples.

Reanimator tem um clima mais contemporâneo, com uma batida muito mais próxima do drum 'n' bass do que do jazz. O baixo é espetacular, provocante, e a bateria convida o ouvinte para a rave. É interessante notar como essa música parece estar um pouco fora do contexto do álbum, e talvez por isso ela se torne uma peça tão indispensável para a qualidade dele. Belíssima faixa.

A melhor maneira que eu encontro para definir Sordid é: imagine se o Daft Punk e o Prodigy fizessem uma parceria. É mais ou menos como a faixa soa: um clima dark e vintage ao mesmo tempo, desafiadora, urbana, com alguns toques de industrial. Tudo isso muito bem encaixado.

Nightlife é outra faixa deveras intrigante. Eu poderia descrevê-la de muitas maneiras, mas pesquisando sobre este álbum eu achei a definição perfeita em uma resenha do site Allmusic: "disney on acid". É exatamente isso: após um começo tranquilo, com um piano de cool jazz "assombrado" por alguns outros efeitos, a música desbanda para um riff de baixo curiosamente infantil e uma levada que me lembra muito um outro projeto interessantíssimo: Fantastic Plastic Machine (se você não conhece, faça um favor a você mesmo e vá atrás - você não vai se arrepender). As melodias que se seguem são memoráveis. Sem dúvidas uma das melhores faixas do álbum.

Escape é bem mais experimental que as anteriores, cheia de samples de voz, batidas complexas e saxofones de free jazz - tem até alguns elementos que lembram dubstep. A música não chega realmente a pegar fogo, então eu a considero um pouco como um filler apesar de seus quase 6 minutos.

Em Switch, Amon escolhe um sample delicioso de jazz, deixa em loop e enche de texturas e solos de instrumentos de sopro cheios de efeitos à-lá dub. Simples mas viciante, outra belíssima faixa.

People Like Frank foca em um sample de baixo e bateria que não tem nada a ver com drum 'n' bass, mas sim com o baixo rabecão e bateria de jazz. A música traz inclusive alguns solos de bateria recheados de white noise e sintetizadores sombrios - característica recorrente do álbum e, como já disse, fundamental para o clima noir.

Sultan Drop tem um clima hipnótico com tempero árabe. O baixo em loop, a bateria ressonante e arrastada, todos os ruídos - tudo contribui para o ambiente desta faixa interessantíssima. Não é um dos destaques do álbum, mas ainda assim é um ponto interessante.

Fast Eddie começa com uma pegada latin jazz, com congas e percussão marcante, mas logo dá lugar à uma fusão com diversos elementos eletrônicos e, novamente, a influência do drum 'n' bass é gritante. É a faixa mais longa do álbum, ultrapassando a marca dos 7 minutos. Bela faixa.

Toys tem uma pegada meio circense de início, mas novamente com o clima ácido e noir já característico do álbum. A maneira como Tobin mescla alguns elementos de fanfarra com sua música mui moderna é excepcional, e em questão de segundos atravessamos décadas de evolução musical.

A faixa que encerra o álbum é a relaxante Nova. Aqui sim podemos notar a influência da música brasileira no rapaz - afinal, a bossa nova nada mais é que o jazz com uma pitada de tempero brazuca. A calma sequencia de acordes tocada no violão é ressaltada por um clarinete cheio de eco e teclados calmíssimos, criando uma textura que nos faz sentir em uma praia de Saturno - se elas existissem, é claro. Belíssimo encerramento.

Permutation é uma obra incrivelmente coesa e coerente, sem abrir mão do experimentalismo e da criatividade. Os samples antigos misturados com as técnicas recentes são trabalhados de maneira única e com muito cuidado. Uma masterpiece e, portanto, recomendadíssima.

Tracklist (clique para escutar):

Artista: Hush Hush; Álbum: Oh God

2011-08-24T09:40:00.001-03:00

Banda: Hush Hush
Álbum: Oh God
Ano: 2010
Gênero: Dance; Indie; R&B; Pop

É muito difícil resenhar um álbum de um artista tão underground quanto o Hush Hush. Conheci a banda durante uma visita a alguns amigos e achei interessante. Pesquisando na internet, cheguei ao nome do cérebro por trás de tudo: Christopher Kline, um artista (no sentido mais amplo que a palavra pode ter) americano que reside em Berlim. Clique no nome dele para conhecer os trabalhos. O cara trabalha com esculturas, pintura, música, entre outros.

Pois bem. Dizer exatamente o que chama mais a atenção no Hush Hush é mais difícil do que parece. Eu diria que o som carregado de sensualidade é o prato de abertura, mas tem muito mais por trás. Todas as letras falam sobre sexo ou sexualidade, mas com uma abordagem muito única e, por vezes, bizarra - já entrarei nos méritos líricos. O prato principal fica por conta do próprio Chirstopher Kline, que tem uma presença de palco no mínimo excêntrica. Vestido com um terno perfeitamente alinhado, o cantor barbado se remexe ao som das músicas, cantando no melhor estilo de Prince e fritando de acordo. Dê uma olhada neste vídeo para entender melhor:

Agora que você sabe um pouco sobre a banda/artista, vou falar do álbum, o debut Oh God, de 2010.

A levada do álbum é peculiar. Como eu disse, as músicas esbanjam sensualidade e transpiram influências interessantíssimas. A faixa de abertura, Hey Mama (a do vídeo acima), soa como um Justin Timberlake do mal. O refrão chiclete ("Hey mama, mama/What d'you want with my body-my body?") tem o mesmo clima desafiador de Sexy Back, mas o tom da música é muito mais pesado. O flerte com o pop que ocorrerá durante todo o álbum é escancarado aqui.

Yin-Yang tem um clima diferente, com um ritmo mais arrastado e um baixo mais melódico. A voz lânguida de Kline, em dueto com ele próprio, chama o (a) ouvinte: "I wanna make you cry, I want a sixty-nine". É sexy de uma maneira bem diferente da primeira faixa, mas não deixa a peteca cair. Bela música.

O pop frenético volta em Open Your Mouth. A letra sacana, que convida o (a) ouvinte a "abrir a boca o máximo que conseguir" para "dar uma coisa que sua mãe não vai entender" tem uma percussão marcante e um toquezinho de Prodigy no arranjo. O jeito que Kline trabalha as vozes é bem similar, sempre harmonizando consigo mesmo e criando refrões-chiclete - bons, no caso. Como o pop deve ser.

Don't Ever Wanna See You Lonely tem uma levada muito mais para o soul setentista, com o baixo marcado e bateria suingadíssima. Lembra de leve algumas das músicas mais leves do Jamiroquai, com os falsetes funcionando muito bem. Tem um clima muito mais cool e relax que as anteriores, mas não deixa de ser uma ótima faixa.

Leave On flerta muito com o indie, começando no piano e trazendo um vocal mais grave que nas faixas anteriores. Com uma letra mais romântica, falando de sweet love, ela se destaca por ser muito destoante das demais. Mas não chega a ser tão divertida, e talvez seja o ponto fraco de Oh God.

Sex Party, em compensação, é um dos pontos altíssimos. Tanto a linha de baixo quanto a de vocal são viciantes, com muita influência, novamente, de Justin Timberlake. Uma levada muito mais cool, minimalista, combinada com a letra hipersexual que descreve, como o nome sugere, uma orgia. Baby, everyone we know gettin' down on the floor.

De longe a mais bizarra é Bloody Sex. Se você entende inglês, o título já dá uma idéia do que se trata: sexo com uma mulher menstruada. Mas não apenas sexo, e sim sexo oral. Com uma voz de zumbi, Kline geme "I want blood". Então começa a descrever como, ao olhar para baixo, tem a impressão de se deparar com uma cena de assassinato. E claro, o refrão engraçadíssimo onde ele e uma mulher tem o seguinte diálogo:

-But I have my period!
-You think that I care? I don't care.
-Okay.
-I don't care.

-Okay.

A levada quebrada e sexy dá um clima bizarríssimo, mas interessante e divertido. Ótima faixa.

My Baby's Got It Bad começa com um sintetizador pesado e segue a linha do pop de Hey Mama e Open Your Mouth, com vocais em falsete e um tom provocativo. Gosto do contraste dos efeitos modernos com a percussão com som de madeira ao fundo. É uma boa faixa, mas não se destaca tanto perto das outras.

O gran finale é a divertida I Know Your Panties So Wet. Com o caricato sintetizadorzinho oitentista, Kline faz corar a ouvinte desavisada ao dizer saber que "sua calcinha está molhada/posso ver pelo jeito que você olha". É um belo encerramento para um belo disco.

Levar o clima sexy de Hush Hush a sério ou não fica por conta do freguês. O álbum tem ótimos arranjos, uma performance convincente de Kline como vocalista e compositor e letras inusitadas. É um ótimo álbum de pop, e acredito que uma pérola entre um mar de mesmices.

Recomendadíssimo.

Tracklist:

1. Hey Mama
2. Yin-Yang

3. Open Your Mouth
4. Don't Ever Wanna See You Lonely
5. Leave On
6. Sex Party
7. Bloody Sex
8. My Baby's Got It Bad
9. I Know Your Panties So Wet

Abaixo, o clipe (bizarríssimo) de Sex Party:

Hush Hush - Sex Party (music video) from High5Collective on Vimeo.

Para escutar o disco inteiro, basta clicar aqui e ouvir no site da banda!

Banda: Giant Squid; Álbum: The Ichthyologist

2011-07-01T18:33:00.007-03:00

Banda: Giant Squid
Álbum: The Ichthyologist
Ano: 2009
Gênero: Post-Metal; Doom Metal

É o terceiro álbum "metal" que eu resenho em seguida, mas não é à toa. Aqueles que dizem que o metal está morto ou que as bandas novas não prestam deveriam buscar conhecer as bandas certas - ou deixar de se prender apenas às clássicas, logicamente.

O Giant Squid é uma banda estadunidense formada em 2001. Como muitas bandas, eles não deram muita sorte e fizeram muito, mas muito de seu trabalho na unha. Um exemplo disso é o trabalho de gravar, empacotar e lançar 400 cópias de seu EP Monster Of The Creek à mão em 2004. As músicas deste EP conceitual falavam sobre os ataques de tubarões de 1916 nos EUA, que foram muito famosos e entraram para a cultura popular estadunidense, influenciando Peter Benchley a escrever o romance Tubarão em 1974 e, consequentemente, Steven Spielberg a gravar o clássico filme baseado no livro em 1975.

O destino finalmente sorriu para o Giant Squid, e o EP caiu nas mãos dos empregados da gravadora The End Records, que tem em sua lista de assinados nomes como Danzig, Helloween, Tarja Turunen e os já resenhados Sleepytime Gorilla Museum. Isso permitiu a eles gravar profissionalmente seu primeiro álbum, Metridium Fields, em 2006. O álbum já havia sido gravado em 2004, mas independentemente e sem muitos recursos. Isso levou a banda a regravá-lo na íntegra.

A recepção do debut do Giant Squid foi ótima e a banda fez uma turnê bem sucedida nos EUA para divulgar o álbum. De fato, a turnê foi tão bem sucedida que a gravadora queria prolongá-la ainda mais, e a banda, ansiosa por gravar um novo álbum, voltou a ser independente.

Isso não os desanimou. Pelo contrário: os já experientes membros da banda se sentiam preparados e seguros para fazer um novo álbum, e então começou o nascimento de The Ichthyologist.

A formação do Giant Squid sempre mudou muito - motivo pelo qual eu não a havia comentado até então. A banda coleciona 10 ex-integrantes, mas a formação que gravou The Ichthyologist permanece quase a mesma desde 2009: Aaron Gregory (guitarra/vocal), Bryan Beeson (baixo), Chris Lyman (bateria) e Jackie Perez Gratz (violoncelo/vocal). Lyman seria substituído por Scott Sutton posteriormente.

O álbum foi gravado em 2008 e lançado em fevereiro de 2009. As primeiras 50 cópias, disponíveis para pré-venda, vinham com um dente de tubarão que o Aaron havia coletado em um aquário de São Francisco (onde, diga-se de passagem, ele trabalha como mergulhador, cuidando dos animais). Isso porque The Ichthyologist, a exemplo do EP debut, também é conceitual. Fala sobre um homem que foi separado de sua própria humanidade ao se perder no mar com seu navio e, durante seus vários anos vagando no mar, adota maneiras não humanas de sobrevivência para, no final, se tornar um outro tipo de ser. As músicas têm um nome original e um nome em latim, que corresponde à nomenclatura científica de algo relacionado ao mar.

A faixa de abertura é Panthalassa (Lampetra tridentata), e a partir dela já dá pra ter uma noção do que o Giant Squid é capaz. Em um compasso 6/4, a guitarra limpa de Gregory e o violoncelo de Gratz preparam o ouvinte para todo o peso que vem depois, em um riff pesado e coeso. A voz de Gregory agrada tanto quanto sua interpretação, mas o que eu destacaria mais neste disco não seria a habilidade ou o virtuosismo dos músicos, mas todas as texturas das músicas. Tudo parece ter sido muito bem pensado, muito bem analisado. Tanto o trompete que surge surpreendentemente quanto o baixo com distorção, o que mostra, ao mesmo tempo, influências muito distintas. Quando os vocais de Gratz entram e adicionam o lírico feminino, bem no final, não restam dúvidas sobre o talento incrível da banda.

La Brea Tar Pits (Pseudomonas putida) é lenta, tem um ritmo arrastado, alternando tônicas e quintas e com um vocal incrivelmente sofrido. A partir dos dois minutos, a música fica bem mais limpa e os fraseados de guitarras ficam mais delicados, mas nem por isso menos tensa. No final, um solo de guitarra, mas neste disco eles são raros e muito diferentes dos solos das maiorias das bandas de metal - não há virtuosismo: a banda sempre preza pelo feeling e pela textura. Pesadíssima e belíssima.

Sutterville (Vibrio cholerae) é uma das mais estranhas do álbum (e uma de minhas favoritas). Tudo nela é estranho: tanto o compasso irregular quanto a melodia meio letárgica, meio onírica. O vocal preguiçoso passa a impressão de uma resignação obrigatória. As guitarras parecem violinos misturados ao violoncelo de Gratz. Ótima faixa.
Dead Man Slough (Pacifastacus leniusculus), a exemplo de La Brea Tar Pits, tem um ritmo lento, mas aqui o violoncelo tem um papel mais proeminente. A música tem um clima mais ameno, apesar do vocal quase sussurrado de Gregory. As intervenções vocais de Gratz são um belo toque. Destaque para a passagem calmíssima cantada pela moça e pelo final pesadíssimo.

Throwing A Donner Party At Sea (Physeter catodon) é uma paulada. Começa com um riff distorcido e logo a banda toda entra como um trovão. A faixa tem características que lembram desde System Of A Down até death metal, com participação especial de Karyn Crisis (do Crisis) no vocal. A parte instrumental é grandiosa, aproximando-se do metal sinfônico. Outro ponto altíssimo do álbum.

Sevengill (Notorynchus cepedianus - o tubarão cujos dentes foram dados nas primeiras cópias) começa com um apito de navio ao fundo e se transforma em uma bela balada, novamente com os vocais de Gregory carregados com o sofrimento do protagonista do álbum. Esta faixa conta com a colaboração de Anneke Van Giersbergen (do The Gathering) nos vocais e Lorraine Rath (Amber Asylum) na flauta. No final a música ganha todo um peso dramático. Não é das minhas favoritas, mas não deixa de ser uma boa faixa.

Mormon Island (Alluvial Au) poderia facilmente ser a trilha sonora de um filme de terror. Os violinos da convidada Kris Force (Amber Asylum) junto com a guitarra minimalista e o cello de Gratz criam um suspense incrível, uma calmaria desesperadora que parece estar sempre à beira de uma perturbação súbita. É praticamente um ambient de terror. Bela faixa.

Blue Linckia (Linckia laevigata) alterna momentos pesados em compassos irregulares e tom medievalesco com momentos mais líricos e melódicos levados pelo cello de Gratz. É uma faixa grandiosa, novamente muito bem texturizada. O riff do final se extende por três minutos, variando apenas na intensidade e roupagem.

Emerald Bay (Prionace glauca) é uma faixa calma e extremamente minimalusta, guiada basicamente pela guitarra limpa e pelos vocais. Conta com a participação de Cat Gratz, irma da violoncelista Jackie. A faixa não decola, mas contribui muito com a integridade do álbum.

Rubicon Wall (Acipenser transmontanus) é o gran finale e cumpre com a responsabilidade. A bateria de Lyman é um destaque, e a banda toda faz um belo papel em todas as variações da música: do início melódico e triste ao peso dramático que se segue, com as guitarras distorcidas e o vocal de Gregory. É extremamente pesada e lenta (resquício da grande influência de doom metal) e tem diversas mudanças de andamento. As melodias são belíssimas, e certamente é um ótimo jeito de encerrar este belo álbum.

Rótulos à parte, este álbum do Giant Squid é uma ótima opção para quem procura criatividade e beleza dentro de um gênero tão estereotipado quanto o metal. Instrumentos inusitados e arranjos belíssimos aliados a peso e groove.

Recomendadíssimo para fãs de metal, de música criativa e oceanógrafos.

Tracklist:

Banda: Kultur Shock; Álbum: Kultur-Diktatura

2011-06-12T21:05:00.007-03:00

Banda: Kultur Shock

Álbum: Kultura-Diktatura
Ano: 2004
Gênero: Punk Cigano; Metal Experimental; World Music

O nome da banda não poderia ser mais honesto. O Kultur Shock é uma banda fundada em 1996 durante uma festa nos EUA onde alguns caras do leste europeu começaram a zoar suas próprias tradições com um violão. O sucesso na tal festa foi tanto que eles resolveram continuar com a fórmula, mas o formato acústico logo foi substituído pelo plugado e a banda começou a tocar nos bares de punk de Seattle - sempre misturando muito da música cultural leste-europeia. O primeiro disco da banda, Live In Amerika, foi lançado em 1999 e traz uma dessas apresentações.

Durante um show, o ex-baixista do Nirvana Krist Novoselic (de origem croata) se impressionou e chamou ninguém menos que Jello Biafra (ex-vocalista do Dead Kennedys), que também se impressionou e ligou para Billy Gould (baixista do Faith No More), que contratou a banda para seu selo, o Koolarrow Records.

O primeiro álbum pelo novo selo foi lançado em setembro de 2001, coincidindo com o mês dos atentados. Muitos americanos se sentiram ofendidos pelos arranjos com pitada árabe e quebraram os discos, coisa digna de Idade Média.

O Kultur Shock, entretanto, não se importou com os protestos e, três anos depois, lançou o álbum aqui resenhado, Kultura-Diktatura.

A formação do Kultur Shock na época era a seguinte: da Bósnia, Gino Srdjian Yevdjevic (vocal/djumbek) e Mario Butkovic (vocal/bozouki), dos EUA, Chris Stromquist (bateria) e Matty Noble (violino), do Japão, Masa Kobayashi (baixo) e, da Bulgária, Val Kossovski (guitarra/vocal).

O álbum abre com Tutti Frutti, que nada tem a ver com sua xará muito famosa nas vozes de Elvis Presley e Little Richard. Com uma influência escancarada de música cigana, a salada do Kultur Shock vai se revelando no decorrer da música: passagens com uma pitada de flamenco e até salsa. O peso que a música ganha no final lembra um pouco System Of A Down. A letra mistura diversos idiomas, e essa é uma tendência no álbum.

Morto é uma faixa com forte influência de nü metal, com um ritmo mais groovado e guitarras pesadíssimas. Belos riffs durante toda a música, e o vocal se destaca muito pela influência da música oriental, muitas vezes lembrando o grande Serj Tankian do já citado SOAD.

Horse Thief soa como se o Taraf de Haïdouks (banda romena de música cigana já resenhada neste blog) fosse liderada por Jello Biafra. O ritmo galopante e frenético junto às letras em vários idiomas (entre eles bósnio, romeno e inglês) são deveras empolgantes, e a quebra inesperada no meio da música dá um charme único, recomeçando a música em um ritmo lentíssimo e gradualmente aumentando o andamento até explodir novamente. Uma das melhores faixas do álbum, sem dúvida.

Kamarage exala a origem balcânica da banda. Com uma levada marcante, um ritmo muito semelhante ao nosso baião, o Kultur Shock nos surpreende com um reggae no refrão. Destaque também para o belíssimo solo de violino de Noble.

Hashishi é uma das minhas favoritas. Um inesperado scratch dá lugar a um canto feminino em um ritmo que remete à dança do ventre e fica por muito tempo na cabeça. A execução dos instrumentos é impecável (como em todo o álbum), e a incorporação de elementos musicais mais modernos (scratch, batidas eletrônicas) torna esta música uma experiência que dificilmente se tem em outro álbum.

Alma tem uma introdução furiosa que destaca as habilidades de Stromquist na bateria. Acho interessante como o baixo poderia estar facilmente em uma salsa cubana ao mesmo tempo em que a guitarra dá à música uma roupagem totalmente oriental. A ponte exalta a máxima zapatista "todo para todos, nada para nosotros". A salsa furiosa do final fecha esta faixa com chave de ouro - outro ponto altíssimo do disco.

Da Ye tem uma introdução melancólica que se transforma em um pegajoso refrão. A bateria é marcante durante toda a música, mas talvez seja um dos momentos menos inspirados deste belo álbum.

O mesmo, porém, não podemos dizer de Mustafa. A bateria anuncia um riff de metais que poderia estar em uma faixa do X-Ray Spex, a banda de punk/new wave que utilizava o saxofone de maneira muito peculiar (vale a pena ir atrás de algo deles caso você não conheça). Segue-se então um tipo de bolero com uma performance impecável dos vocalistas. Uma faixa direta e muito sincera.

Blagunyo Denche tem um andamento esquisito (7/8) e muitos bouzokis e cítaras. O refrão com palmas e guitaras é interessantíssimo, mas não incluiria esta faixa entre as melhores do álbum.

Romana tem um riff à la Rage Against The Machine acompanhado com guitarras e metais no começo, mas logo tem uma mudança brusca de andamento e fica muito mais calma. Quando a faixa parece estar caminhando para esse caminho até o fim, a música muda para o punk rock e, novamente, para o riff do começo. Bela faixa.

Nightmare começa com um baixo agressivo e repetitivo que logo é complementado por uma batida eletrônica. Lembra um pouco Secret Chiefs 3, até mesmo quando os andamentos mudam e transitam entre gêneros. É sensacional a naturalidade com que a música intercala o tradicional (música árabe, rock) com o mais "moderno" (música eletrônica).

Nano (N.J. 1919 - 2002) tem um clima épico, sempre criando uma expectativa de algo grandioso. Os interlúdios com harmonias vocais são belíssimos, e essa expectativa finalmente se cumpre aos 3:40, quando começa um riff matador de baixo e os demais instrumentos se unem para criar mais um grande momento deste álbum. Ótima faixa.

Too Late To Fornicate encerra o álbum de maneira inusitada. A guitarra solitária dedilha uma melodia triste e uma voz carregada de sotaque canta melancolicamente sobre sua dificuldade em se comunicar em inglês e sobre como "ainda é manhã cedo, mas já é tarde demais para fornicar".

Kultura-Diktatura é um ótimo álbum de mais uma grande banda que quase ninguém conhece. É triste pensar que uma proposta interessante e diferente como essa raramente vê a luz do sol.

Recomendadíssimo.

Tracklist:

Abaixo, Hashishi sendo executava ao vivo.

Banda: Diablo Swing Orchestra; Álbum: The Butcher's Ballroom

2011-05-04T19:47:00.005-03:00

Banda: Diablo Swing Orchestra

Álbum: The Butcher's Ballroom

Ano: 2006

Gênero: Metal Avant-garde

O metal é um gênero que acumula preconceitos, lendas urbanas, mitologias, amor, ódio e muitas subdivisões.

Todo mundo já teve um colega de classe cabeludo que, não raramente, aparecia com uma camiseta de banda de metal. Quem não teve, era o próprio cabeludo (inclusive este que vos fala). O gênero tem tantas subdivisões que geram atrito entre os fãs desse ou daquele estilo: heavy, thrash, glam, death, black, white, funk, prog, nü, groove, doom, industrial e muitos outros.

A cultura do metal é tão peculiar que existem rótulos para aqueles que só escutam e gostam de determinado estilo - os true - e para aqueles que fingem que gostam - os posers. Existem bandas que levam isso tão a sério que viram inspiração para bandas-sátira, como o Manowar para o Massacration. E essa atitude de true e poser é o que faz com que os fãs de metal sejam vistos como bitolados pelas pessoas mais ecléticas.

Quando os preconceitos são deixados de lado e as bandas resolvem agregar elementos alheios ao estilo, porém, geralmente o resultado traz discos marcantes e muito originais - o álbum Roots dos brasileiros do Sepultura, por exemplo, misturou música indígena dos Xavantes com o groove metal herdado do disco anterior, Chaos A.D.. É considerado por críticos e por muitas outras bandas como um dos álbuns mais influentes dos anos 90, embora alguns fãs mais tradicionais da banda torçam o nariz pelo caminho tomado pela banda após o também clássico Arise.

Essa conversa toda foi para chegar ao disco aqui resenhado: o ótimo The Butcher's Ballroom da banda sueca Diablo Swing Orchestra.

A história "oficial" da banda é cercada de mitologia. Diz a lenda que no século XVI, na Suécia, existia uma orquestra que tocava hinos que desafiavam o poder da Igreja (teoricamente Protestante) que dominava o país. Ao provocar a ira dos religiosos, os integrantes dessa banda tiveram que viver escondidos nas casas dos camponeses. Por anos a orquestra tocaria para o prazer de seus anfitriões, mas ao ver que a recompensa oferecida por suas cabeças era alta demais, os músicos concluíram que seriam capturados e, em uma despedida triunfal, fizeram um espetáculo maravilhoso e inacreditável antes de serem executados. Os membros da Diablo Swing Orchestra (ou DSO) seriam descendentes desses mártires da música.

Fantasia à parte, o DSO é formado por Daniel Håkansson (guitarra/vocal), Pontus Mantefors (guitarra/efeitos), Annlouice Lögdlund (vocal lírico), Andy Johansson (baixo), Johannes Bergion (violoncelo), Andreas Halvardsson (bateria, posteriormente substituido por Petter Karlsson), Daniel Hedin (trombone) e Martin Isaksson (trompete). Essa formação - nada ortodoxa para uma banda de metal - é um dos motivos pelos quais o DSO é tão diferente das demais bandas. E ao ouvir The Butcher's Ballroom fica óbvio o motivo.

O disco abre com a poderosa Balrog Boogie, um cruzamento preciso de metal com boogie -woogie (como o título sugere). A primeira vez que se escuta a voz da soprano Lögdlund é um choque, principalmente no meio de uma música nada lírica como essa. Difícil não se deixar levar pelo ritmo, e é possível até imaginar muitos dos true se segurando para não sair dançando. Isso sem contar a peculiaridade da letra ser em latim.

Heroines começa tranquila, com um ritmo gostoso no violoncelo e na bateria. Os vocais calmos de Lögdlund logo dão lugar à uma ponte interessantíssima com direito a um dueto com ela mesma, e um urro gutural faz a música explodir com as guitarras distorcidas. Tem um belíssimo refrão e é uma das que mais me chamou a atenção na primeira audição.

Poetic Pitbull Revolutions começa com um violão flamenco interessantíssimo, e logo as guitarras distorcidas entram junto com os trompetes e parece que estamos em um filme onde Zorro faz parte do Metallica. O contraste dos riffs pesados com a melodia à-lá mariachi dos trompetes funciona tão bem que é difícil lembrar que, originalmente, um não tem nada a ver com o outro. Os vocais dessa vez ficam, na maior parte da música, por conta de Håkansson, mas quando Lögdlund aparece a música ganha proporções épicas. Ótima faixa.

O teclado da introdução de Rag Doll Physics poderia facilmente aparecer em um disco do Deep Purple. A música é uma bela valsa, com vários momentos minimalistas onde a banda pára e dá destaque para a voz da vocalista. Destaque para o dueto barroco de violões próximos ao fim da faixa.

D'Angelo é um momento plenamente lírico. Contando apenas com Lögdlund cantando em italiano acompanhada de um violão levemente dedilhado, é um dos momentos mais tradicionais do álbum. Nem por isso deixa de ser bela - é o tipo de música que tanto você quanto sua avó iriam achar linda.

A calmaria da música anterior dá lugar à pancada Velvet Embracer, uma bela faixa de metal sinfônico. Grandiosa e pesada, é uma faixa que os fãs de Nightwish e outras bandas do estilo certamente iriam gostar muito. Os vocais de Lögdlund novamente impressionam, e o arranjo de cordas ao fundo são a cereja no topo do bolo.

Se você não sabe o que é um didgeridoo, dê uma olhada no vídeo abaixo:

Esse instrumento, assim como o rapaz que o está tocando no vídeo, tem origem aborígene, ou seja, na Austrália pré-colonial. E é com esse som que começa Gunpowder Chant, uma faixa instrumental com pegada árabe. É muito sinestésica, com uma bateria marcante, e quando menos se percebe já começou Infralove. A transição entre as duas músicas é imperceptível, e é interessante ver como a melodia da primeira é desenvolvida na segunda música. É como se um faraó saísse de sua pirâmide em Gunpowder Chant, agarrasse uma prancha e começasse a surfar no Mar Mediterrâneo em Infralove.

Wedding March For A Bullet é uma de minhas faixas favoritas. Uma música extremamente bem construída, pesada e elaborada que consegue ser fácil de escutar ao mesmo tempo. Os riffs precisos, a bateria destruidora e o groove do refrão são irresistíveis.

Qualms of Conscience é um pequeno filler no piano, mas Zodiac Virtues passa longe dessa condição. O riff malvado que abre a música dá lugar à um vocal que me lembra Andi Deris, do Helloween, por algum motivo. Novamente Lögdlund impressiona no refrão (ela não cansa?!). As cordas e o coral dão, novamente, um tom épico à essa bela canção.

Porcelain Judas tem um tempero oriental misturado aos riffs, que por sua vez tem muita influência de música clássica no refrão. Muitas variações estilísticas nesta bela faixa.

O gran finale fica por conta de Pink Noise Waltz. Como o nome sugere, é uma valsa pesadíssima, que alterna momentos mais delicados com momentos agressivos. O final da música é um desfile de estilos e influências: música barroca em alguns interlúdios (particularmente no solo de flauta), thrash metal e, surpreendentemente, o álbum termina com um suave jazz.

Não tenho dúvidas que os true de alguns estilos de metal iriam desprezar este álbum, mas eu o recomendo por ser uma belíssima demonstração de como fazer música pesada com criatividade, qualidade e principalmente sem burocracia.

Tracklist:

Artista: David Bowie; Álbum: Low

2011-04-15T13:30:00.005-03:00

Artista: David Bowie

Álbum: Low

Ano: 1977

Gênero: Rock Experimental; Eletrônico; Krautrock

David Bowie é uma figura tão polivalente que eu nem sei direito como começar esta resenha. Talvez porque sua carreira seja tão única quanto o próprio homem, de quem muita gente fala mas talvez nem tanta gente assim conheça a obra a fundo - apenas alguns singles de sucesso estrondoso, como Space Oddity, Starman (ou Astronauta de Mármore, para aqueles que conhecem a versão em português do Nenhum de Nós), Heroes ou os hits dos anos 80 Modern Love, China Girl (cover do grande Iggy Pop gravado com a intenção de levantar fundos para a reabilitação do amigo) e Let's Dance.

David Robert Jones nasceu no dia 8 de janeiro de 1947 em Londres. Sempre se interessou por arte e sempre foi excêntrico - e gostava disso. Dormia com meninas e meninos desde os 14 anos. Em uma briga com um amigo, ficou com a pupila esquerda permanentemente dilatada e ficou feliz por ter adquirido um atributo único.

Tentou fazer sucesso com diversas bandas nos anos 60, mas tudo o que colecionava era fracasso atrás de fracasso. Resolveu tentar a carreira solo. Seu primeiro álbum, David Bowie, foi um fracasso. Eis que, em 1969, sua (então) nova música Space Oddity estourou nas rádios, e Bowie virou um "one hit wonder" - coisa que ele temia mais que o fracasso.

Após lançar um álbum com o mesmo nome do single em 1969, o obscuro (porém ótimo) The Man Who Sold The World em 1970 e o belíssimo Hunky Dory (um dos meus favoritos, diga-se de passagem), David parecia fadado a uma carreira não muito reconhecida. Mas em 1972, com a criação de seu personagem andrógino Ziggy Stardust e da banda fictícia Spiders From Mars, David alcançou um sucesso meteórico na Inglaterra e se solidificou como um grande artista.

O glam rock de Ziggy Stardust deu tanto certo que David iria manter o estilo em seus 3 álbuns posteriores: Alladin Sane, Pin Ups (só de covers) e Diamond Dogs. E então David tomou provavelmente a decisão mais arriscada de sua carreira: matar Ziggy Stardust de vez e mudar radicalmente de estilo musical e de visual.

Para ilustrar melhor: em 1972, este era David Bowie como Ziggy Stardust:

E, em 1975, este era David Bowie simplesmente como David Bowie (ao lado de Art Garfunkel):

David passou a escrever soul, para o desespero de seus fãs. Lançou Young Americans em 1975, um belíssimo disco, mas nada glam. Tinha até uma parceria com John Lennon, a ótima e funkeada Fame, que virou um hit.

O problema de David nesse período era seu crescente vício em cocaína. Esse vício foi o carro chefe de seu álbum seguinte, Station to Station, de 1976, e do Thin White Duke, seu último personagem. Um belo álbum, ainda bebendo da fonte do soul, mas com outras influências, já trazendo influência de música eletrônica e do krautrock, um gênero musical misto e experimental que começou na Alemanha no fim dos anos 60.

A vida e o vício de Bowie se tornaram insustentáveis - muitas drogas, muitas mulheres e muitas paranóias. Foi por isso que ele aceitou o convite de Iggy Pop e, ainda em 1976, mudou-se para Berlim Ocidental para morar com o companheiro e se revitalizar. E foi graças a isso que o álbum aqui resenhado foi possível.

Low é, paradoxalmente, um dos (se não o) pontos altos da carreira de David Bowie. Gravado parte na França e parte na Alemanha, é uma colaboração com o mentor e tecladista da grande banda de art rock Roxy Music, Brian Eno (curiosamente o compositor do som de abertura do Windows - sim, o sistema operacional). Eno é conhecido por sua imensa criatividade e por seus sintetizadores, muito evidentes em Low.

Pouco antes do lançamento do álbum, Bowie participou de um filme chamado The Man Who Fell To Earth. Ele fez o papel do alien Thomas Jerome Newton, que vem à Terra para levar água para seu planeta natal. David compôs algumas músicas que ele pretendia usar na trilha sonora, mas o diretor Nicholas Roeg não achou que as músicas iriam servir. Então David usou alguns elementos dessas músicas em seu novo álbum (aqui resenhado).

Speed Of Life, a faixa de abertura, é um belo instrumental repleto de sintetizadores e guitarras deliciosas. Funciona como uma capa para o álbum: traz diversas características que irão desenrolar conforme o disco for tocando. É uma bela melodia, muito texturizada e muito detalhada.

E então vem a pedrada Breaking Glass. Em menos de dois minutos, Bowie traz uma atmosfera urbana extremamente pesada. A letra é simples, curta e fragmentada - um resquício de um período em que ele, seguindo o exemplo do novelista e poeta estadunidense William S. Burroughs, colocava diversas frases dentro de um chapéu e tirava a esmo para formar a letra. Belíssima faixa.

What In The World é uma bela mistura do estilo de Bowie com a música experimental de Eno. Um barulho eletrônico repetitivo, como se tivesse saído de um jogo de videogame antigo, se junta à banda e dá um tom único a essa música.

Sound And Vision, com seus riffs grudentos de guitarra e ritmo ligeiramente calmo e alegre, traz uma letra surpreendentemente triste e reflexiva sobre o auge do vício de cocaína de Bowie e a inspiração que por ora não aparece.

Falando em reflexiva, Always Crashing In The Same Car também se enquadra na categoria. Juntamente a uma melodia calma, repleta de guitarras e teclados, Bowie descreve como está "sempre batendo no mesmo carro", uma metáfora para alguém que repete sempre os mesmos erros.

O momento mais pop do álbum é, com certeza, a bela Be My Wife. O contraste da letra romântica retrô com a música ultraproduzida e moderna dá um charme único à essa faixa, que foi praticamente o canto do cisne do relacionamento de Bowie com sua então esposa Angela Bowie (o relacionamento já estava muito conturbado e iria terminar com o divórcio em 1980).

A New Carrer In A New Town começa com o sintetizador de Eno criando uma atmosfera espacial e se desenvolve subitamente em um instrumental que fecha o Lado A da versão em vinil do álbum. É uma melodia triste com um ritmo alegre, com uma gaita melancólica tocada por Bowie em boa parte da faixa. O título é uma referência à sua mudança dos Estados Unidos para a Alemanha.

Falar que a faixa anterior fechou o Lado A é importante porque o Lado B de Low é totalmente diferente. Ao contrário das faixas iniciais, que eram mais agitadas e fáceis de escutar, a partir daqui o álbum parte para um caminho totalmente experimental.

Warszawa é uma faixa quase-instrumental épica, composta por Bowie e Eno, que tenta retratar a triste situação da capital da Polônia (sim, Varsóvia) no pós-guerra (David esteve lá em 1973). O clima obscuro da faixa, juntamente com as 110 vozes (que são Bowie multiplicado em estúdio) e a letra em um idioma inventado tornam Warszawa uma das melhores faixas de Low. Antes de se chamar Joy Division, a banda de Ian Curtis se chamava Warsaw por causa da música de Bowie.

Art Decade é a tradução musical da impressão de David sobre a cidade onde morava (caso você tenha se esquecido, Berlim Ocidental). Triste, lenta e instrumental, tenta refletir a desolação que a cidade vivia nos tempos do muro. Entrou no álbum quase no último instante, quando Brian Eno a tirou da "pilha das rejeitadas", texturizou e convenceu Bowie a incluí-la em Low.

Weeping Wall é outra instrumental (com algumas vocalizações) sobre Berlim. Com algumas referências musicais diretas a Scarborough Fair (uma balada tradicional inglesa) e gemidos angustiados, Bowie acompanha Eno nesta faixa que é um resquício direto da trilha sonora de The Man Who Fell To Earth.

A faixa final é Subterraneans, que fala da Berlim do outro lado do muro. É ambient em sua maioria, com alguns saltos vocais e um belo solo de sax do próprio Bowie. A letra completamente fragmentada é outra que segue a técnica do já citado Burroughs.

Em suma, Low é um álbum totalmente híbrido, em todos os sentidos. Ao mesmo tempo que é um belíssimo disco "de guitarra", não o é no mesmo sentido que os dois primeiros do Led Zeppelin, por exemplo. Ao mesmo tempo em que é um disco experimental, não é da mesma forma que um disco do Zappa. É um disco de Bowie, e isso já o torna único por definição. É um dos poucos artistas realmente famosos que sempre deram a cara a tapa.

Recomendadíssimo.

Tracklist:

Banda: White Noise; Álbum: An Electric Storm

2011-04-11T19:05:00.002-03:00

Banda: White Noise

Álbum: An Electric Storm

Ano: 1969

Gênero: Rock Psicodélico; Experimental

Não é um exagero dizer que existem bandas que estão décadas à frente de seu tempo. Lendo um artigo em um site de humor inteligente eu acabei trombando nesta banda, o White Noise (nome tirado do barulho que a TV faz em estática), que o site descreve como o Radiohead dos anos 60. Achei o artigo interessante (recomendo fervorosamente) e fui atrás do debut da banda, o intrigante An Electric Storm, lançado surpreendentemente em 1969.

A banda começou quando David Vorhaus, um baixista clássico com conhecimentos de física e engenharia, conheceu Delia Derbyshire e Brian Hogson em Londres. Os dois últimos eram antigos empregados da BBC Radiophonic Workshop, uma unidade da BBC que produzia músicas e efeitos especiais para rádio. Ou seja, eles tinham um bom conhecimento de produção e eletrônica. Sem isso, seria impossível ter criado An Electric Storm.

O álbum conta com Vorhaus no baixo, Derbyshire e Hogson nos aparatos eletrônicos, Paul Lytton na bateria/percussão e os vocalistas convidados John Whitman, Annie Bird e Val Shaw.

É um dos primeiros discos a utilizar o sintetizador britânico EMS VCS 3, que posteriormente seria usado à exaustão por grandes nomes do rock, como John Paul Jones, do Led Zeppelin, e Pete Townshend, do The Who. Além disso, outros recursos de estúdio muito pouco ortodoxos tornam este álbum incrivelmente pioneiro. As texturas criadas pelo sintetizador enfeitam cada música de um jeito diferente - e sempre apropriado.

A faixa de abertura é Love Without Sound, uma viagem psicodélica guiada por uma percussão indiana e pela voz de Annie Shaw. O baixo faz muito mais do que aparenta; não apenas é o grave pulsante que transita pela música, mas todas as cordas - violinos, cellos. Tudo com mágica de estúdio. Nos anos 60. O clima onírico dessa canção é impressionante até os dias de hoje.

A atrevida My Game Of Loving soa como se os Beach Boys tivessem escrito Je T'aime Moi Non Plus, de Serge Gainsbourg (que curiosamente eu citei no post anterior). Após uma introdução que lembra um pouco Velvet Underground, trechos sussurrados em francês e alemão dão lugar a uma incrível orgia sonora, literalmente - muitos gemidos, masculinos e femininos, fazem corar o ouvinte desavisado. Isso décadas antes de Gretchen, É o Tchan e os piores funks cariocas aparecerem.

A banda também mostra seu lado bem humorado em Here Come The Fleas. Totalmente vanguardista, a faixa traz diversos efeitos sonoros engraçadinhos, uma melodia esquisitona, andamento mais estranho ainda e um vocal totalmente displiscente. Tem uma estrofe inteira onde a música é acelerada, dando aquele efeito chipmunk, como se Tico e Teco (ou Alvin e os Esquilos, para os mais novos) estivessem cantando e tocando. Pela letra, trata-se de uma música infantil, o que nos faz perguntar o que as crianças do fim dos anos 60 tomavam.

Firebird seria uma típica música de rock sessentista se os efeitos dos sintetizadores não a fizessem soar como se tivesse sido composta em Marte. Um andamento bem definido, com backing vocals bem evidenciados e um som similar a um theremin dando todo o clima espacial fazem desta faixa uma das mais acessíveis do disco.

Your Hidden Dreams é mais uma peça à la Velvet Underground; até a voz de Shaw lembra a voz de Nico. A diferença é que as viagens do White Noise aqui vão além daquelas de Lou Reed e cia; em determinado momento, a música entra em um crescendo e começa a brincar com o stereo, distribuindo a música ora no canal esquerdo, ora no direito. Escute esta música de fone para melhores resultados! Destaque novamente para as experimentações com o sintetizador.

Mas a experimentação mais pesada começa no que seria o lado B. The Visitations é um épico de 11 minutos que viaja por diversos humores. Há pausas para barulho de choro, efeitos sonoros, poesias etc. É muito polivalente e experimental, muito à frente do que a maior parte das bandas fazia na época.

O gran finale é The Black Mass. Começa com vozes simulando um coral gregoriano e, em uma progressão totalmente inesperada, começa um solo de bateria cheio de efeitos que vão se intensificando, ficando mais complexos até que gritos de dor e terror se juntam para completar o clima de uma missa negra, como o título sugere.

Como é de se esperar, An Electric Storm passou praticamente em branco na época em que foi lançado. Talvez por não ter apelo comercial, ou simplesmente porque estava muito à frente de seu tempo. Mas ele chegou às pessoas certas, visto que diversos artistas de música eletrônica e alternativa o citam como influência (como o Chemical Brothers e o Secret Chiefs 3, por exemplo).

Uma coisa interessante: inicialmente, a intenção era lançar as duas primeiras faixas (Love Without Sound e My Game Of Loving) como singles, mas foram convencidos pela gravadora a gravar um álbum inteiro. Para se ter idéia do quanto as faixas são complexas, as quatro últimas levaram um ano para ficarem prontas, e isso porque a gravadora os pressionou e eles tiveram de completar The Black Mass em um dia. Tudo por causa das múltiplas edições, muito complexas e difíceis de fazer na época.

Recomendadíssimo.

Tracklist:

Uma grande novidade neste velho blog!

2011-04-08T23:54:00.000-03:00

E aí pessoal!

É com alegria que anuncio que a grande maioria dos álbuns aqui resenhados pode ser ouvida na íntegra sem sair do Música Estranha e Boa, graças ao site Grooveshark.

As únicas exceções são os álbuns dos Beatles e relacionados, que por algum motivo burocrático não publicam suas músicas no site.

Mas de resto, é só dar play nos tracklists dos álbuns e curtir o som!

Banda: Einstürzende Neubauten; Álbum: Kollaps

2011-04-05T09:35:00.011-03:00

Banda: Einstürzende Neubauten
Álbum: Kollaps
Ano: 1981
Gênero: Industrial; Avant-garde; Noise

Fazia um tempo que eu não escutava um disco e pensava, de imediato, que deveria resenhar aqui no Música Estranha e Boa. Felizmente, esses dias eu ouvi pela primeira vez o álbum Kollaps, da banda alemã Einstürzende Neubauten (que significa "Novos Prédios Desmoronando" em alemão e se pronuncia mais ou menos Ains-tir-tzende Nói-bauten).

A banda foi fundada na cidade de Berlim, na parte oriental, em 1980. Após algumas mudanças de formação, a banda lançou seu primeiro álbum, Kollaps, no ano seguinte com Blixa Bargeld (vocal, guitarra, efeitos), N. U. Unruh (percussão, vocal) e F. M. Einheit (percussão, vocal).

A primeira coisa que chama a atenção em Kollaps é a capa. O símbolo (que seria registrado posteriormente pela banda) é baseado em registros de homens das cavernas no México. Ninguém sabe ao certo o que ele significa, mas o simpático humanoide está para o Einstürzende Neubauten como Eddie está para o Iron Maiden, por exemplo.

Mas o mais assombroso de Kollaps está longe de ser o homenzinho ou o nome difícil da banda. Logo na primeira faixa, Tanz Debil, fica evidente o quanto este álbum é pioneiro e vai na contramão dos lançamentos de destaque de sua época. Entre gritos de "Stell dich tot" e "Gier!" (Finja-se de morto e Ganância!, respectivamente), uma ritmo forte e metálico começa e segue pela música inteira, criando uma atmosfera de um futuro dominado por máquinas. O Ministry e o Nine Inch Nails fariam algo semelhante, mas quase uma década depois e de uma maneira muito mais acessível. A música anuncia muito bem a proposta do álbum.

A guitarra e os vocais de Bargeld são totalmente distorcidos. No caso da guitarra, há momentos em que você não consegue distinguir ela dos demais ruídos percussivos das músicas. A voz não entoa uma melodia, mas gritos angustiados e angustiantes. É o humano realmente se confundindo com a máquina, e tudo isso bem diante dos seus ouvidos.

Se Tanz Debil já anunciava o clima robótico assassino, Steh auf Berlin cospe isso na cara do ouvinte. Um barulho saturado de uma furadeira começa e logo as percussões de N. U. Unruh e F. M. Einheit parecem simular uma fábrica de alguma coisa realmente matadora, parecendo uma metralhadora junto com os berros de Bargeld ao fundo. Diversos ruídos de ferramentas aparecem ocasionalmente, e o mais impressionante é que é tudo analógico - são ferramentas mesmo, e a banda reproduzia ao vivo.

O que mais me intriga sobre a música dita industrial é a maneira como sons que simulam máquinas e objetos inanimados - latas, furadeiras, ruídos em geral - conseguem causar tantas emoções no ouvinte. Eu não consigo imaginar uma pessoa que escute este álbum e fique indiferente. É algo mais sinestésico que a experiência de ouvir música.

A sequência Negativ Nein, U-Haft Muzak, Draußen ist Feindlich e Hören mit Schmerzen traz uma percussão perturbadoramente lenta. É angustiante como o som do Bärenjude (o "urso judeu" de Bastardos Inglórios) batendo seu taco de baseball contra a grade antes de brutalizar o soldado nazista. Junto com ruídos e gritos soa como seria se o inferno fosse hi-tech.

O momento mais surpreendente, dado o choque inicial, certamente é Jet'M. Trata-se de um cover de uma música muito famosa do fim dos anos 60 chamada Je T'aime Moi Non Plus, um dueto do compositor Serge Gainsbourg e sua amante Jane Birkin. A música original é repleta de gemidos e sussurros, mas a versão do Einstürzende Neubaten soa como a trilha sonora de um filme pornô de robôs malvados.

A faixa título tem quase 8 minutos e novamente cria uma atmosfera apocalíptica. A guitarra de Bargeld toca acordes dissonantes precisamente no começo de cada compasso, como se fosse um metrônomo. É previsível e imprevisível ao mesmo tempo, uma vez que os gritos criam uma outra textura.

Sehnsucht traz um piano (!) e é a que mais se aproxima de uma "balada", tanto pela melodia quanto pela voz. Ela dá lugar para o filler Vorm Krieg, uma faixa de 20 segundos que parece um rádio mal sintonizado, e então a sequência de encerramento começa com Hirnsage, uma música lenta e linear. Bargeld soa como um instrutor de exercícios no meio do mundo real e robótico de Matrix.

Abstieg und Zerfall tem diversos falsos crescendos, criando uma expectativa que nunca chega. A percussão parece uma bomba relógio, mas a explosão só traz o silêncio. E quando você acha que a última faixa vai explodir, Helga traz apenas mais estática com uma voz ao fundo, e este é o fim de Kollaps.

Kollaps é um álbum sensacional, mas deve ser ouvido como uma peça completa, e não como uma simples coleção de músicas. É incrível o quanto ele é diferente, até hoje, de tudo o que você já escutou.

Recomendadíssimo.

Tracklist:

Banda: Masada; Álbum: Masada Guitars

2011-02-24T09:10:00.009-03:00

Banda: Masada
Álbum: Masada Guitars
Ano: 2003
Gênero: Klezmer; instrumental

Quem acompanha este blog faz tempo ou já teve a curiosidade de dar uma olhada nos posts antigos vai se lembrar do nome Masada.

Como pode ser observado no post que fiz sobre o debut da banda, o ótimo Alef, trata-se de um projeto do compositor, produtor e saxofonista John Zorn que mescla música judaica com jazz, música experimental e muitos outros gêneros. Entretanto, é mais uma coleção de músicas que uma banda em si. Vou tomar a liberdade de colar aqui o parágrafo explicativo que fiz no post de 2006, que falava exatamente isso:

O Masada lançou dez álbuns de estúdio com a formação clássica entre 1994 e 1997: Alef, Beit, Gimel, Dalet, Hei, Vav, Zayin, Het, Tet e Yod. Essa formação conta com John Zorn no saxofone, Dave Douglas no trompete, Greg Cohen no baixo e Joey Baron na bateria. Entretanto, em seus anos de atividade (desde 1993, ou seja, ~~treze~~ dezoito anos), diversos lançamentos fizeram do Masada uma banda muito mais interessante do que ela aparenta ser ao ouvir os dez álbuns com os quatro músicos: inúmeras formações diferentes tocando arranjos diferentes das músicas desses álbuns (e algumas que não entraram, visto que Zorn compôs mais de 200 músicas nesse período de 3 anos). A formação Bar Kokhba, por exemplo, conta com Mark Feldman no violino, Erik Friedlander no violoncelo, Greg Cohen e Mark Dresser no baixo, Marc Ribot na guitarra, Anthony Coleman e John Medeski no piano/órgão, David Krakauer e Chris Speed no clarinete, Kenny Wolleson na bateria e Dave Douglas no trompete. Esses músicos revezam em diversas formações e apresentam releituras belíssimas das músicas de Zorn, além de algumas que são executadas exclusivamente por esta formação. Outro álbum - Masada Guitars, por exemplo - conta com três guitarristas rearranjando as músicas da formação original, e apenas isso. São 21 faixas, todas contando com um guitarrista e sua guitarra, nada mais. Belíssimo álbum, mas vamos voltar e falar do primeiro dos primeiros: Alef.

Pois é, eu já citei o Masada Guitars há quase cinco anos e chegou a hora deste disco ter seu próprio post.

Em 2003, no décimo aniversário do primeiro álbum do Masada, John Zorn convidou três de seus guitarristas favoritos para interpretar 21 músicas do projeto de maneira minimalista, ou seja, são apresentações solo e, em sua enorme maioria, em violões ou em guitarras sem distorção.

Os três guitarristas escolhidos se destacam justamente por apresentarem estilos claramente distintos.

Bill Frisell tem raízes muito fortes no jazz, sendo considerado um dos grandes nomes dentro do estilo desde os anos 80. Isso, entretanto, não impede que o músico também seja reconhecido por utilizar diversos efeitos e recursos para tirar sons únicos da guitarra - mais ou menos como faz Tom Morello, mas mais focado para o avant-garde.

Tim Sparks se destaca pelas técnicas de dedilhado. Por ter estudado diversos gêneros musicais durante sua vida, ele consegue incorporar diferentes técnicas e feelings em suas interpretações das músicas de Zorn. Ele já trabalhou com diversos estilos de world music, incluindo fado e bossa nova.

Marc Ribot é um guitarrista experiente, que já trabalhou com diversos artistas do rock e do pop - Tom Waits, Elton John, Elvis Costello e Robert Plant são alguns deles. Entretanto, a zona de conforto de Ribot é o experimental, incorporando técnicas e estilos não convencionais ao jazz e ao rock.

O que me fascina no álbum é a como a música de Zorn, quando focada mais para o melódico, é bela e envolvente. Não se trata de um disco de guitarra no mesmo sentido que Yngwie Malmsteen ou Michael Angelo Batio fariam, mas de um álbum pleno, onde guitarristas interpretam melodias muito bem definidas ao seu estilo, sem se prolongar demais e sem tentar superar a velocidade do som. Basta pegar como exemplo as três faixas que abrem o álbum e introduzem os três guitarristas.

Abidan, com Bill Frisell, começa com um suave harmônico no violão e segue tranquilamente, em tempo livre, minimalista - é possível escutar a respiração do músico ao fundo. Já Kodashin, com Tim Sparks, segue num allegro, e a técnica do guitarrista fica evidente para quem nunca tinha ouvido falar dele. Ele a toca com uma naturalidade que parece que a canção foi feita para seu violão (apesar de estar no oitavo álbum da formação jazz do Masada, Het). Kedem, com Marc Ribot, tem um tom melancólico, favorecendo o feeling à precisão da execução.

O perfil do álbum é basicamente esse, apesar de cada composição ser única. Porém, existem duas outras faixas que eu gostaria de destacar.

Katzatz, com Frisell, é uma releitura genial da versão para a banda de jazz. Parece uma música de desenho animado, como se o Pica-Pau fosse 10x mais maluco e tomasse ecstasy. Assim:

E Frisell, com distorções, técnica e criatividade, reproduziu dessa maneira (clique no link para escutar a música).
Kanah talvez seja a minha favorita do álbum. A transcrição para violão ficou impecável, e a interpretação de Tim Sparks é assombrosa. Acho interessante ele utilizar uma guitarra de aço em um arranjo que parece ter sido feito para violão clássico.

Enfim; é um álbum essencial para quem admira guitarra e violão clássico, música instrumental e jazz.

Recomendadíssimo.

Tracklist (intérprete entre parênteses):
1. Abidan (Frisell)
2. Kodashin (Sparks)
3. Kedem (Ribot)
4. Bikkurim (Frisell)
5. Ravayah (Sparks)
6. Hadasha (Ribot)
7. Katzatz (Frisell)
8. Kanah (Sparks)
9. Hodaah (Ribot)
10. Kisofim (Frisell)
11. Sippur (Sparks)
12. Sansanah (Ribot)
13. Galgalim (Ribot)
14. Elilah (Frisell)
15. Kedushah (Sparks)
16. Shevet (Ribot)
17. Kochot (Frisell)
18. Tzalim (Ribot)
19. Kivah (Ribot)
20. Avelut (Frisell)
21. Moshav (Ribot)

Escute as músicas clicando abaixo:

Banda: Blood, Sweat & Tears; Álbum: Blood, Sweat & Tears

2011-01-12T10:02:00.019-02:00

Banda: Blood, Sweat & Tears
Álbum: Blood, Sweat & Tears

Ano: 1968

Gênero: Rock; Jazz Fusion; Soul; Blues

O Blood, Sweat & Tears é uma banda que toca música. Pode parecer uma incrível redundância, mas se pensarmos que temos bandas de rock, bandas de jazz, bandas de pagode, reggae etc, classificar de maneira tão generalizada o estilo de uma banda é algo que chama a atenção.

Formada em 1967 em Nova York, EUA, o Blood Sweat & Tears nasceu em meio a tudo de incrível que aconteceu nos anos 60 e parece ter assimilado um pouco de tudo no seu som. Tudo bem que isso parecia ser o padrão das bandas memoráveis que surgiram nessa época, mas algumas coisas diferenciam o BS&T (como costumam abreviar).

Primeiro, e é uma coisa que eu acho muito interessante, é a maneira como eles apresentam a mescla de rock e jazz dentro das músicas. Enquanto muitas bandas de jazz fusion - como a carreira do Miles Davis a partir do In A Silent Way ou o grande Herbie Hancock, por exemplo - focam muito mais nas improvisações e demonstração de virtuosismo, o BS&T trazia na maioria de suas músicas uma estrutura mais acessível, que bebia da fonte do rock e do blues.

O destaque dado pelo BS&T aos metais também merece ser diferenciado. Se aproxima muito do funk, com um quê de big band. E todos músicos assaz competentes, e isso merece ser dito.

O debut do BS&T foi o ótimo, porém mais experimental, Child Is The Father Of The Man, de 1968. Nessa altura, a banda contava com Randy Brecker (trompete e fliscorne), Bobby Colomby (bateria, percussão, voz), Jim Fielder (baixo, baixo fretless), Dick Halligan (trombone), Steve Katz (guitarra, alaúde), Al Kooper (órgão, piano, ondiolino, voz principal), Fred Lipsius (piano, saxofone alto) e finalmente Jerry Weiss (trompete, fliscorne e voz), além de vários outros músicos de estúdio. Talvez estes nomes não sejam muito conhecidos pelo grande público, mas bandas em que os músicos acima citados tocaram incluem o Mothers Of Invention (do grande Frank Zappa), Buffalo Springfield (do grande Neil Young), Bob Dylan e Jimi Hendrix (não preciso nem dizer o quão grandes estes são).

O disco foi um sucesso, mas a banda queria um vocalista mais forte que Al Kooper (que respondia como líder da banda). Sugeriram que ele ficasse exclusivamente no teclado, mas ele acabou saindo do grupo.

Vários nomes foram cogitados para substituir Kooper, entre eles Stephen Stills (Crosby, Stills & Nash) e Laura Nyro (sim, vocês já viram este nome por aqui), mas quem acabou ficando com a vaga foi o cantor anglo-canadense David Clayton-Thomas. A voz de Clayton-Thomas havia chamado a atenção de uma amiga do conjunto, a cantora Judy Collins, e ela convidou Katz e Colomby para vê-lo cantar em um bar em Nova York. Ele ganhou a vaga instantaneamente. Dick Halligan assumiu o órgão e o piano e dois novos membros entraram: Lew Soloff (trompete, fliscorne) e Chuck Winfield (trompete) entraram no lugar de Brecker e Weiss, que também saíram logo após o primeiro álbum.

E foi no meio dessa mudança de formação que nasceu o álbum aqui resenhado.

Blood, Sweat & Tears é o segundo álbum da banda e foi lançado no fim de 1968. A proposta foi fazer um álbum mais acessível que seu sucessor, e desta vez mesclava mais covers às composições dos integrantes. Além disso, é um dos primeiros álbuns da história a ser gravado em 16 canais, uma tecnologia que pouquíssimos estúdios da época podiam desfrutar.

O conjunto entrou no CBS Studio em Nova York no começo de Agosto de 1968 para gravar um álbum memorável.

Curiosamente, a abertura do álbum é completamente diferente de tudo o que descrevi até agora neste post. Variations On A Theme By Erik Satie (1st and 2nd Movements) é uma versão de uma composição instrumental de, como o nome sugere, Erik Satie, um pianista e compositor francês nascido do século XIX. Um movimento arriscadíssimo, pois a música é lenta e tristíssima por mais de um minuto, explodindo grandiosamente em seguida em uma orquestra desafiadora, lembrando a trilha sonora de alguma abertura de algum filme de guerra dos anos 20.

Mas é na segunda faixa, Smiling Phases, que o BS&T mostra a que realmente veio. É uma das melhores do disco. A voz rasgada e swingada de David Clayton-Thomas chama o ouvinte para dançar nesta belíssima faixa composta originalmente pelo Traffic. Os metais e os teclados dominam o arranjo, que recebeu uma roupagem completamente nova em todos os detalhes. O solo de piano de Halligan é arrebatador.

Sometimes In Winter é uma composição de Steve Katz, e ele mesmo canta esta belíssima faixa. Bem mais calma que a anterior, traz um belo arranjo de flauta (tocada por Halligan) e uma letra triste. Gosto muito do contraste entre o clímax da orquestra e a voz doce de Katz logo em seguida, lamentando: "Now you're gone, girl...". Belíssima.

A introdução de More and More poderia ter saído de uma música de James Brown. Os metais e a voz de negão de Clayton-Thomas formam um casamento perfeito. Bem nos moldes de Smiling Phases, com um refrão marcante e destaque para o entrosamento de Fielder e Colomby na cozinha.

Em seguida o BS&T faz um cover de And When I Die, de Laura Nyro (detalhe: composta quando a moça tinha 18 anos). A versão original já trazia muitas características compatíveis com o estilo do BS&T: metais, swing e execução impecável. Mas a versão da banda trouxe um novo tempero à música, mais jazz com um leve toque de bluegrass e o tempero de big band já característico. Uma belíssima interpretação, mais um destaque do álbum.

Falando em jazz, o álbum segue com uma belíssima releitura de God Bless The Child, da eterna Billie Holiday. Clayton-Thomas mostra sua versatilidade, transitando do jazz/rock ao soul com extrema facilidade. Temos até uma breve passagem por uma salsa/jazz, que inesperadamente retorna ao soul com a mesma naturalidade que desviou dele. Sensacional.

Spinning Wheel é uma composição de Clayton-Thomas e certamente uma das faixas mais rock and roll do álbum. O feeling da canção e a própria voz do cantor lembram Joe Cocker, com direito a um break de jazz e a incríveis variações no arranjo no decorrer da música. Começamos com rock e terminamos imaginando menestréis dançando na floresta.

You've Made Me So Very Happy é um R&B que havia sido lançado no ano anterior na voz de Brenda Holloway, mas acabou se tornando um dos maiores hits do álbum do BS&T. Novamente temos swing, metais e a performance impecável da banda. Interessante notar como o arranjo do Blood, Sweat & Tears enriqueceu a canção.

Blues - Part II é uma música de mais de 10 minutos (!) que traz referências a Sunshine Of Your Love, do Cream, e a Spoonful, do blueseiro Willie Dixon. Sei que estou ficando redundante, mas tudo é executado exatamente da maneira que deveria ser. É um banquete auditivo.

E quando menos se espera, o álbum reprisa a primeira faixa para anunciar seu fim.

É um álbum que fez muito sucesso em sua época, mas que as gerações mais novas (eu incluso) desconhecem. Esta pérola merece ser ouvida por todos.

Ah, e este disco ganhou o Grammy em 1969, desbancando nada mais, nada menos, que o lendário Abbey Road, dos Beatles.

Recomendadíssimo.

Tracklist:

Abaixo, o Blood, Sweat & Tears executando And When I Die ao vivo em 1970:

Artista: Laura Nyro; Álbum: Eli and the Thirteenth Confession

2010-10-01T09:01:00.016-03:00

Artista: Laura Nyro
Álbum: Eli And The Thirteenth Confession

Ano: 1968

Gênero: R&B; Pop; Gospel; Soul

Acho que poucas pessoas discordam que os anos 60 representaram um salto cultural inacreditável no mundo ocidental. Muita coisa mudou em vários aspectos, e na música não poderia ser diferente.

Eu sei que o parágrafo acima é um clichê deveras desgastado, mas foi a melhor maneira que encontrei para começar a escrever sobre este álbum da cantora americana Laura Nyro lançado em 1968.

Pra começar, eu nunca tinha ouvido falar dessa cantora até poucos dias atrás, quando estava pesquisando por material "novo" dos anos 60. E quando vi a capa do álbum Eli and the Thirteenth Confession, achei que tinha trombado sem querer em um álbum do Nightwish ou de alguma banda parecida.

Laura Nyro nasceu no Bronx, em Nova Iorque, em 1947, filha de um afinador de piano e de uma bibliotecária. Aprendeu a tocar piano e a cantar sozinha quando criança e sempre se interessou por literatura e poesia e começou a compor aos oito anos de idade. O curso natural das coisas a levou a seguir a carreira musical, e ela cita a grande Nina Simone como uma de suas principais influências (um dia faço uma resenha de um disco da Nina aqui).

Por sempre ter tido contato com a cultura negra da época (que, vale lembrar, era de muita segregação nos EUA) Laura Nyro desenvolveu um estilo muito peculiar de compor, agregando elementos musicais do jazz, gospel e R&B ao rock e ao doo wop, resultando em uma combinação muito interessante. É tão forte essa influência que, sem ver a capa do disco, é muito fácil deduzir equivocadamente que Laura era negra pelo estilo da música que cantava em sua época.

O debut de Laura Nyro foi o bem recebido More Than a New Discovery, de 1967, mas o álbum aqui resenhado é o segundo, Eli and the Thirteenth Confession, lançado no começo de 1968 quando a cantora tinha 20 (!) anos. Todas as músicas foram compostas por ela, assim como em seu debut - a moça era muito talentosa.

No meu caso, bastou escutar a primeira faixa do disco - Luckie - para ser conquistado. A introdução grandiosa, cheia de metais com a voz potente da moça e a súbita pausa para a volta em clima de jazz, que depois vira rock e até funk. As mudanças constantes de andamento são encantadoras, e é uma das marcas mais fortes da compositora.

Lu é uma das minhas favoritas. A melodia deliciosa cantada por Laura, que logo é acompanhada por backing vocals assaz competentes, fica na cabeça. É gritante a influência da música negra americana nessa música. Sensacional!

Sweet Blindness começa com um quê de Beach Boys para, novamente, nos surpreender com as mudanças abruptas de andamento. Aproveito para fazer um adendo: quando falo nas mudanças de andamento nas músicas de Laura Nyro estou me referindo a algo muito mais suave e acessível que as mudanças de andamento em uma música do Fantômas, por exemplo. As músicas desse disco, apesar das melodias elaboradas e tempos complexos, são extremamente calcadas no pop, e isso o torna muito especial.

Poverty Train, por exemplo, tem uma levada totalmente blues logo de cara, mas é um belíssimo soul em sua maioria. A voz de Laura está muito mais para o grave nessa música, e a interpretação é impecável. "I just saw the devil and he's smiling at me".

Lonely Women poderia facilmente ter saído de um disco da Nina Simone. Começa totalmente intimista, freeform, e do nada fica com uma cara meio Clube da Esquina. É estranha assim e bela assim. Nem preciso dizer que a interpretação de Nyro é um show à parte.

Eli's Comin' é o que mais se aproxima de uma faixa título. Gosto muito da descrição que o reviewer da Allmusic.com fez: "essa música dá mais guinadas e voltas que uma cobra no chão quente do deserto". E é exatamente isso. Ela passa de um começo profundo e lento a um ritmo frenético, com muita influência de gospel, para depois voltar ao clima sombrio, muito bem texturizado pelos instrumentos e vozes. Uma belíssima composição.

Timer começa operesca, com Laura demonstrado uma versatilidade vocal impressionante, mas tirando isso é uma das menos interessantes do álbum. O mesmo não podemos dizer de Stoned Soul Picnic, com seu clima totalmente sessentista. Poderia facilmente ser regravada por alguma banda vocal como The Mamas and The Papas ou 5th Dimension - os últimos, inclusive, a regravaram. Lisérgica e onírica.

Emmie é uma balada fluida e belíssima, deliciosa de se escutar e com um final emocionante. As orquestrações, a voz... tudo, mais uma vez, está no lugar.

Woman's Blues é uma das mais ambiciosas do álbum. Começa com uma pegada erudita mas evolui para um soul extremamente swingado, com direito até a clavinete no final. A letra é incrivelmente pessoal e dramática. "Go live as long as an elephant, but there won't be more lovin' woman than me".

Once It Was Alright (Farmer Joe) é animada, dançante, bebendo da fonte do gospel e do soul mais uma vez, com transições menos suaves que das músicas anteriores. Talvez por isso seja um pouco menos acessível, mas novamente é um prazer escutar Laura cantando.

December's Boudoir é lentíssima, totalmente livre, guiada totalmente por piano e voz com texturas de harpa e orquestra. É a música mais lenta do álbum, e certamente a mais intimista.

A 13ª e última música do álbum, como o nome sugere, é The Confession. De todas as músicas talvez seja a que mais bebe da fonte do rock, mas não qualquer rock e sim da nata do rock sessentista - aquele rock orquestrado e elaborado que começou a aparecer na metade da década. E o final é realmente um gran finale, intenso como a abertura de Luckie, a primeira faixa.

Uma curiosidade interessantíssima: a versão em vinil do álbum trazia o encarte interno com letras - o que já era raro - e, como se não bastasse, ele era perfumado. Quem tem a versão original diz que o perfume dura até hoje, mais de 42 anos depois do lançamento e 13 da morte de Laura Nyro de câncer de ovário, aos 49 anos de idade.

Recomendadíssimo.

Tracklist:

Abaixo, a moça executando Poverty Train ao vivo (a música começa a partir de 1:15):

Banda: Penguin Cafe Orchestra; Álbum: Music From The Penguin Cafe

2010-09-15T09:32:00.010-03:00

Banda: Penguin Cafe Orchestra
Álbum: Music From The Penguin Café

Ano: 1976

Gênero: Neoclássico; Folk Instrumental

Esbarrar em um álbum muito bom e praticamente desconhecido, lançado há décadas e esquecido por muitos artistas e músicos, é uma sorte tremenda. Principalmente quando este álbum é muito diferente de tudo o que você escutou. É essa a minha relação com o álbum que irei resenhar.

Em uma madrugada fria e difícil, conversando com uma amiga, ela me mostrou uma música incrivelmente bonita, com um toque cinematográfico irresistível. A guitarra com um leve flanger, levemente dedilhada, junto com um piano elétrico calmíssimo e um arranjo de cordas chamaram a atenção tanto pela beleza quanto pela simplicidade. Nada de virtuosismo, tudo de feeling. E quando tudo parecia estável, os instrumentistas começaram a improvisar e brincar com a música de uma maneira totalmente vanguardista, com pausas inusitadas e notas fora da escala. Foi o suficiente para eu me interessar e deixar cativar pela banda, o Penguin Cafe Orchestra.

Trata-se de um projeto de um violonista clássico e arranjador chamado Simon Jeffes (morto em 1997 de câncer), o principal mentor e compositor do quarteto completado por Helen Leibmann (violoncelo), Steve Nye (piano elétrico) e Gavin Wright (violino). Segundo o próprio Jeffes, o objetivo do projeto é fugir da rigidez da música clássica e das limitações do rock and roll, criando um híbrido vívido e interessante. E ele conseguiu isso logo no debut, Music From The Penguin Cafe, de 1976.

A primeira música já é uma das melhores do disco e, talvez por saber disso, Jeffes a batizou de Penguin Cafe Single. Um tema alegre e com pegada de trilha sonora, com uma melodia muito marcante e arranjo impecável. A quebra que ocorre no meio da música é inexplicável e ao mesmo tempo confortante: é ótimo escutar uma música que consegue nos surpreender, mesmo tendo sido gravada há quase 35 anos.

Zopf é uma peça composta de 7 partes pequenas e é, certamente, a parte mais experimental do disco - tanto que Jeffes não se limitou ao quarteto e convidou outros músicos para participarem. São tantos momentos distintos e peculiares que as partes são faixas separadas nas versões em CD. Passamos da introdução cartunesca de From The Colonies para a inusitadíssima In A Sydney Motel, com seu toque de canto religioso oriental (um dos pouquíssimos momentos cantados do álbum). Isso sem contar a profunda Surface Tension (paradoxo não-intencional), a maluquíssima Milk, o toque de cantata de Coronation, a felicíssima Giles Farnaby's Dream e a sci-fi Pigtail.

E finalmente chega a música que me levou ao Penguin Cafe Orchestra. Quando tudo indica que o álbum vai caminhar para o avantgarde total, começa The Sound Of Someone You Love Who's Going Away And It Doesn't Matter. Tanto o título quanto a música são longos, mas os quase 12 minutos (!) são tão belos que passam rapidamente. São variações dos demais intrumentos sobre o tema que Jeffes dedilha em sua guitarra, criando nuances e crescendos belíssimos. Difícil não se emocionar e não se impressionar com a quebra já citada anteriormente nesta resenha.

Hugebaby é mais uma faixa memorável, com seu clima sombrio e, ainda assim, belíssimo. Aliás, a execução dos instrumentos é algo muito peculiar pelo álbum inteiro. Não temos um disco impecável aqui. Existem alguns errinhos muito perceptíveis em alguns momentos, mas isso não tira o brilho do trabalho. Pelo contrário - adicionam uma crueza e uma legitimidade que dão vida e autenticidade às músicas.

A discreta Chartered Flight fecha este belíssimo debut de uma banda muito peculiar, que infelizmente é praticamente desconhecida aqui no Brasil.

Recomendadíssimo.

Tracklist:

1. Penguin Cafe Single

2. Zopf

a. From The Colonies

b. In A Sydney Motel

c. Surface Tension

d. Milk

e. Coronation

f. Giles Farnaby's Dream

g. Pigtail

3. The Sound Of Someone You Love Who's Going Away And It Doesn't Matter

4. Hugebaby
5. Chartered Flight

Escute todas as músicas abaixo:

Banda: Loituma; Álbum: Things Of Beauty

2010-07-07T19:24:00.009-03:00

Banda: Loituma

Álbum: Things Of Beauty

Ano: 1997

Gênero: Folk Finlandês

Se você navega na internet e tem acesso a vídeos e animações, muito provavelmente, alguma vez, em algum lugar, já trombou com isso:

Por algum motivo, este vídeo (originalmente uma animação em flash disponível neste site) fez um sucesso absurdo na internet no ano de 2006. Essa combinação de uma personagem de anime (Orihime Inoue, do desenho Bleach) girando um aipo ao som de uma canção alegre com uma letra indecifrável foi vista por milhões de internautas ao redor do mundo, e gerou muitos e muitos vídeos de paródias e referências, como todo fenômeno da internet. E também fez o mundo se perguntar "de onde veio essa música?".

Quem deu uma pesquisadinha chegou em um quarteto finlandês chamado Loituma.

O vídeo, conhecido como Leekspin ou até Loituma Girl alavancou a popularidade da banda ao redor do mundo. Mas, como todo fenômeno de internet, o sucesso instantâneo desaparece tão rapidamente quanto surge, e pouca gente conhece a obra do Loituma além da música do vídeo, um trecho em looping da música Ievan Polkka.

Mas eu fui atrás e cheguei no primeiro álbum da banda: Things Of Beauty, de 1998 (lançado como Loituma em 1995, na Finlândia). Mas antes, como é de costume, vamos falar um pouco sobre a banda.

Originalmente, em 1989, o Loituma era um sexteto chamado Jäykää Leipä (que significa "pão duro", em sentido literal) nascido no departamento de música folk do conservatório Sibelius-Akatemia, em Helsinki, capital da Finlândia. O sexteto era formado por Sari Kauranen, Anita Lehtola-Tollin, Timo Väänänen, Hanni-Mari Autere, Sanna Kurki-Suonio e Tellu Paulasto. Porém, Kurki-Suonio e Paulasto deixaram a banda, que mudou seu nome para Loituma e virou um quarteto.

As músicas do Loituma, quando não são compostas por eles próprios, são versões totalmente arranjadas por eles de músicas tradicionais do folclore finlandês. Porém, muitos dos arranjos fogem daquilo que é considerado na Finlândia como música tradicional, apesar do instrumento chave da banda ser mais do que arcaico: o kantele.

Esse instrumento, uma mistura de harpa com aquelas "cítaras" que alguns ambulantes brasileiros vendiam há alguns anos (uma versão muito simplificada de um instrumento chamado zither) é a base da música do Loituma. Todos os membros tocam ele ou uma variação, e muitas das músicas contam apenas com ele além das vozes.

A música de abertura é Eriskummainen Kantele (O Kantele Caprichoso) e dá uma idéia do que vem pela frente, apesar de ser incrivelmente simples musicalmente. Uma melodia simples e medievalesca em um crescendo, inicialmente vocalizada e posteriormente adquirindo corpo com letra e harmonias.

A onírica Kultaansa Ikävöivä (Lá Está Minha Amante) é uma composição de Timo Väänänen. É tão pacífica (pelo menos a melodia unitonal - fico devendo sobre a letra) que lembra um mantra e poderia facilmente estar, musicalmente falando, no álbum Chant And Be Happy, produzido por George Harrison e já resenhado aqui. Um belíssimo momento do disco.

Viimesen Kerran (A Última Vez) é uma bela demonstração da beleza das vozes femininas do Loituma. Uma faixa quase acapella e repleta de harmonias bonitas que só não se destaca mais por ser acompanhada daquela que, na minha opinião, é a mais bonita do disco.

Minuet and Polska (Minueto e Polca) tem mais de sete minutos e é, na verdade, duas músicas em uma. Após uma longa introdução no kantele, duas vozes entram em uma belíssima vocalização que se entrelaça impecavelmente durante o restante da música, sem letra alguma. Inesperadamente, o tom melancólico e triste da música vira uma polca (como o próprio nome anuncia) e as mesmas duas vozes seguem mostrando beleza e desenvoltura. Facilmente uma das melhores faixas do álbum.

Kun Mun Kultani Tulisi (Sentindo Falta Dele) é uma faixa triste (como o nome sugere, novamente) porém belíssima. Tudo o que faz do Loituma uma banda notável está aqui: a impecável execução do kantele, as harmonias vocais, o tom medieval.

Após a belíssima instrumental Valamon Kirkonkellot (Os Sinos do Monastério de Valamo) temos uma surpresa interessante com Ai Ai Taas Sattuu (Ai Ai, Dói Novamente). Uma canção quase infantil muito bem arranjada pelo Loituma. Pareceria uma cantiga de roda se não fossem as harmonias vocais que se desenrolam a partir das vozes em uníssono. Bela música.

Após o clima infantil somos surpreendidos com a tensíssima Suo (O Pântano). Música com clima pesado e muito carregado. Poderia facilmente ser trilha sonora de algum filme de suspense. Outra ótima canção.

Kolme Kaunista (Três Coisas da Beleza) é alegre e tem um tom quase épico. É mais uma composta por um membro do Loituma, desta vez por Sari Kauranen. O começo engana e sugere uma canção minimalista, mas o acréscimo de novas vozes dá um tom grandioso à canção.

E eis que chega a já comentada Ievan Polkka (A Polca de Ieva). A única canção totalmente acapella do álbum, conta com os quatro membros cantando e vocalizando uma melodia animada e tradicional na Finlândia. A melodia animada de letra alegre é tão cativante que, como citado no início do post, até inspirou o criador do Leekspin a pegar a parte do meio - que não tem letra alguma, e sim improvisos vocais de Hanni-Mari Autere - e deixar em looping.

O que é tão especial em Ievan Polkka? Eu diria (minha opinião, que fique bem claro) que é o arranjo e a interpretação do Loituma. Ela ficou solta, alegre e cativante, e é muito difícil não se animar com essa polca tão feliz.

É um belo disco. Recomendadíssimo.

Tracklist:
1. Eriskummainen Kantele (O Kantele Caprichoso)
2. Kultaansa Ikävöivä (Lá Está Minha Amante)
3. Viimesen Kerran (A Última Vez)
4. Minuet and Polska (Minueto e Polca)
5. Kun Mun Kultani Tulisi (Sentindo Falta Dele)
6. Valamon Kirkonkellot (Os Sinos do Monastério de Valamo)
7. Ai Ai Taas Sattuu (Ai Ai, Dói Novamente)
8. Suo (O Pântano)
9. Kolme Kaunista (Três Coisas da Beleza)
10. Ievan Polkka (A Polca de Ieva)

Clique abaixo para escutar as músicas:

Abaixo, como não poderia de ser, um vídeo do Loituma interpretando Ievan Polkka ao vivo:

Banda: Morphine; Álbum: Cure For Pain

2010-05-21T15:23:00.003-03:00

Banda: Morphine

Álbum: Cure For Pain

Ano: 1993

Gênero: Rock Alternativo

Já fazia um tempo que eu estava pra postar uma resenha de um álbum dessa banda espetacular e desconhecida por muitos, o Morphine, mas sempre acabava esquecendo. Agora aqui está, sem mais delongas.

O Morphine era uma banda peculiar em todos os aspectos: um trio formado por Mark Sandman (vocal/baixo), Dana Colley (saxofone barítono/tenor) e, a partir do disco aqui resenhado, Billy Conway (bateria e percussão). Anteriormente, o lugar de Conway era ocupado por Jerome Dupree.

Um power trio sem guitarra já é algo muito incomum. Adicione isso ao fato de Sandman tocar um baixo de duas cordas com um slide (aquele acessório muito usado por guitarristas de blues, principalmente) e de, em algumas vezes, Colley tocar dois saxofones ao mesmo tempo (como este velhinho épico neste vídeo aqui). Não tem como a música ser mais do mesmo.

O debut do Morphine foi Good, lançado em 1992, e mostrava muito bem ao que a banda veio: uma música criativa e inteligente, que não se doma a um estilo único. Além disso, a música combina muito com o nome da banda. Tem um je ne sais quoi de chapante na música do Morphine.

Apesar de Good ser um bom debut, a banda evoluiu muito no álbum aqui resenhado. Cure For Pain foi lançado apenas um ano depois e mostra uma banda mais madura, com maior domínio sobre as possibilidades de composição para os três (quatro, contando o vocal) instrumentos usados.

Após a pequena introdução de Dawna, um curto solo de saxofone, o Morphine já entrega uma das melhores faixas do álbum: Buena. A introdução no baixo de Sandman já mostra todo o groove da música, e logo no começo do álbum já esquecemos que o Morphine não usa guitarras simplesmente porque elas não fazem falta aqui. O saxofone de Colley cumpre muito bem esse papel e, de quebra, ainda dá um som único à banda.

O disco altera muitos humores. Temos a profunda I'm Free Now, com sua linha de saxofone simples e bonita; All Wrong, com sua levada mais animada, ótima para dirigir e a belíssima balada Candy, com seu toque de soul e uma letra extremamente romântica. Um dos melhores momentos do álbum:

Candy asked me if she died if I could go on

Of course I said I couldn't and of course we knew that's wrong

But Candy, I said, Candy, no, you can't do that to me

Because you love me way too much for you to ever leave

Na língua de Camões:

Candy me perguntou se, se ela morresse, eu conseguiria continuar

É claro que eu disse que não poderia e é claro que ambos sabíamos que estava errado

Mas Candy, eu disse, Candy, não, você não pode fazer isso comigo

Porque você me ama demais para algum dia me deixar

Toda a doçura de Candy fica para trás na incrível A Head With Wings, com groove até o último fio de cabelo. Mais uma vez o destaque é o ótimo trabalho de sax de Colley.

O leitor que escutasse o álbum até aqui e depois escutasse In Spite Of Me ficaria, no mínimo, puto. "Como você me fala que só tem baixo, bateria e saxofone se isso não tem nada disso?". Pois é, uma música com violão e bandolim (tocado pelo músico Jimmy Ryan) em pleno Cure For Pain. Surpreendente ou não?

Mas como o Morphine gosta de surpreender ainda mais, depois vem a paulada Thursday, cheia de texturas e saxofones. Em alguns momentos remete até ao John Zorn (que, caso você não conheça, clique aqui ou aqui pra ter uma idéia do quanto esse cara é peculiar).

A faixa título tem uma levada bem simples, que lembra um pouco Waiting For My Ruca, do Sublime (ou é muita viagem minha?), mas não se destaca do resto do álbum (apesar de não ser ruim de maneira alguma). Mary Won't You Call My Name tem uma levada de bluegrass, com Sandman tocando violão além do habitual baixo. Certamente uma das mais originais do álbum.

Let's Take A Trip Together cumpre o que propõe. Incrivelmente viajante, tem até órgão (tocado por Sandman) e um climão de dub, apesar de não ser um. Sheila é um dos momentos menos inspirados do álbum, e a faixa de encerramento, Miles Davis' Funeral, é uma pequena faixa instrumental melancólica só para encerrar.

Cure For Pain é um belíssimo álbum e certamente o álbum certo para quem quer conhecer esta banda tão peculiar, que infelizmente teve um fim prematuro e súbito quando Mark Sandman faleceu em pleno palco de ataque cardíaco, em 1999, aos 46 anos.

Recomendadíssimo.

Tracklist:

Abaixo, confira o Morphine tocando Buena ao vivo:

Banda: Tool; Álbum: Ænima (ou Aenima)

2010-05-10T12:00:00.004-03:00

Banda: Tool

Álbum: Ænima

Ano: 1996

Gênero: Metal Alternativo

Confesso que fiquei muito receoso de resenhar aqui, num blog de música "underground", um álbum de uma banda tão grande quanto o Tool, que já vendeu muitos milhões de discos e ganhou três Grammy Awards. Porém, curiosamente, é muito difícil encontrar quem conheça a banda aqui no Brasil além do comum "já ouvi falar", portanto nada mais justo que resenhar este álbum realmente marcante, o Ænima. Mas vamos falar um pouco sobre a banda antes, para quem não conhece.

A primeira formação do Tool gravou seu primeiro EP, Opiate, no começo de 1992. Apesar de já ser bem diferente do resto das bandas do circuito, o som tinha mais influências de metal e era mais agressivo. O EP foi um sucesso, chegou a ganhar disco de platina, e no ano seguinte o Tool já lançou seu primeiro álbum completo, o Undertow.

O álbum já chegou causando controvérsia. O encarte trazia fotos de uma mulher obesa nua, um homem nu e da própria banda com pinos na cabeça (além da capa, que trazia algo semelhante a uma costela). Algumas lojas censuraram o encarte, e o Tool mudou a capa para um código de barras enorme sobre o fundo branco e anexou a seguinte nota:

Nós notamos recentemente que muitas das lojas em nosso país legal e mente aberta não iriam disponibilizar o Undertow por causa de seu encarte explícito. Embora a gente odeie ser censurado, ~~nós queremos seu dinheiro~~ nós ainda queremos que você escute nossa música, então removemos ele. Entretanto, ele está disponível para você sem custo adicional. Preencha o formulário, enfie ele em um envelope, mande para nós e nós enviaremos o encarte original. Com amor, Tool.

Undertow foi muito bem recebido, e tem algumas das músicas mais conhecidas do Tool, como Prison Sex e Sober, uma das minhas preferidas da banda.

Nessa altura, a banda de quatro integrantes contava com o vocalista Maynard James Keenan, o guitarrista Adam Jones, o baixista Paul D'Amour e o baterista Danny Carey. Entretanto, D'Amour aparece somente nos dois primeiros trabalhos da banda, e saiu em 1995 para se dedicar a novos projetos. Em seu lugar entrou Justin Chancellor, que está na banda até hoje.

Foram três anos até que um novo álbum do Tool chegasse às lojas, e em 1996 Ænima foi lançado.

Quando uma banda faz um debut muito bom, cria-se muita expectativa ao redor do segundo álbum. "A banda vai conseguir manter a qualidade? Terão mudado muito o estilo? ", etc. As respostas são, ao meu ver, gritantes: o Tool melhorou muito em seu segundo álbum.

Ænima é um trocadilho envolvendo as palavras anima - um conceito da psicologia Jungiana que se refere ao inconsciente feminino do homem ou ao masculino da mulher - e enema, um procedimento médico (ou erótico, para alguns fetichistas) de lavagem intestinal.

O álbum é dedicado ao comediante, então recém falecido, Bill Hicks, que já havia aberto alguns shows do Tool com seu ato de stand up. Dizem que, em certa ocasião, Hicks pediu a uma platéia de milhares de pessoas que o ajudassem a procurar sua lente de contato, no que, para sua supresa, foi atendido. Existem, inclusive, algumas referências diretas a piadas de Hicks no álbum. Mais para frente digo onde estão.

Stinkfist é uma ótima faixa de abertura: pesada, com groove e com uma letra sobre fist fuck - o infame sexo com os punhos. Segundo a banda, também é uma metáfora sobre o ponto em que chegou a nossa apatia: apenas algo muito extremo nos surpreende. O primeiro refrão, por exemplo, é genial:

Fingers deep inside the borderline

Show me that you love me and that we belong together

Relax, turn around and take my hand

Ou seja:

Dedos bem além das bordas

Mostre-me que você me ama e que devemos estar juntos

Relaxer, dê meia-volta e pegue (aceite) minha mão

A segunda música, Eulogy, tem uma introdução de mais de dois minutos, outro ponto muito marcante em várias músicas dos Tools: as longas introduções cheias de texturas. A letra é pesadíssima, uma eulogia (aquelas palavras que dizemos sobre alguém que acabou de falecer) agressivíssima a alguém que "não teve medo de mentir".

O legal das músicas do Tool é como elas variam dentro delas mesmas. Dentro de uma mesma música eles conseguem criar diversos climas e intensidades,variando muito os compassos e as harmonias. Os riffs também são um show à parte.

Um recurso peculiar que o Tool usou à exaustão neste álbum são os fillers, pequenos interlúdios de curta duração que servem apenas para ligar uma faixa à outra. Alguns são muito interessantes, como A Message To Henry Manback. Sobre um piano muito lento, tocando uma melodia muito melancólica, uma voz ao telefone ameaça um homem - supostamente o tal Henry Manback - em inglês e italiano. A interpretação de Maynard é impagável.

Hooker With A Penis é uma das minhas faixas favoritas, tanto letra quanto música. A música é pesadíssima, arrastada, com um vocal raivoso de Maynard, e a letra é, no mínimo, interessante. Começa assim:

I met a boy, wearing Vans, 501s

And a dope beastie-tee, nipple rings,

New tattoos that claim that he was OGT,

Back in '92, from the first EP.

And in between sips of Coke

He told me that he thought we were sellin' out,

Layin' down, suckin' up to the man.

Well now I've got some advice for you, little buddy.

Before you point your finger you should know that I'm the man,

And if I'm the man, then you're the man, and he's the man as well

So you can point that fuckin' finger up your ass

Em português:

Eu conheci um cara

Usando vans, 501s

E uma camiseta chapada dos Beastie Boys, piercings nos mamilos

Novas tatuagens e afirmava ser OGT

De 92, do primeiro EP

E entre goles de coca-cola

Ele me disse que achava que estávamos no vendendo

Nos deitando, "puxando o saco" do "cara"

Bom, agora eu tenho um conselho pra você, amiguinho

Antes de você apontar seu dedo você devia saber que eu sou o cara

Se eu sou o cara, então você é o cara, e ele é o cara também

Então você pode apontar essa porra de dedo pra sua bunda

Só pra efeito de esclarecimento: vans é um tipo de tênis, 501 é um tipo de calça jeans e OGT é a sigla para original gangster Tool, ou seja, fãs do Tool que gostam apenas do primeiro EP, Opiate.

Fica muito clara a posição do Tool a respeito das pessoas que afirmam que as bandas "se vendem". Mais pra frente, ele é mais explícito ainda:

All you know about me is what I've sold you,

Dumb fuck.

I sold out long before you ever even heard my name.

I sold my soul to make a record,

Dip shit,

And then you bought one.

Ou seja:

Tudo o que você sabe sobre mim é o que eu te vendi,

Imbecil.
Eu me vendi muito antes de você ouvir meu nome.

Eu vendi minha alma para gravar um disco,

Escroto,
E então você comprou um.

Então vem outro filler divertido, Intermission (uma homenagem clara aos ingleses do Monty Python e ao filme Em Busca do Cálice Sagrado, onde, no meio de uma cena completamente aletória, eles colocam, também de maneira aleatória, a palavra Intermission - intervalo - por cerca de 5 segundos ao som de uma música animada tocada ao teclado). A faixa do Tool remete, ao mesmo tempo, à música tocada no filme e à música que vem a seguir no álbum, Jimmy - outro ponto alto, com um ótimo riff de abertura e clima sombrio.

Mas o melhor dos fillers é, certamente, Die Eier Von Satan. Se você não conhece, por favor, confira pelo menos um bom trecho abaixo:

O que parece? Certamente remete a um discurso nazista ou algo do tipo. Mas é apenas uma receita de biscoitos lida por Maynard e pelo alemão Marko Fox para enganar o ouvinte desavisado. Genial o som da platéia eufórica após o grito de UND KEINE EIER!, que significa apenas "e sem ovos!".

O grande ponto alto do disco na minha opinião é a faixa quase-título Ænema. Essa foi a música que me fez buscar mais do Tool e até hoje é uma das que mais me aptecem. A letra é baseada em uma peça de stand up comedy do já citado Bill Hicks: Arizona Bay. Nela, Hicks falava sobre como o mundo ficaria melhor se a cidade de Los Angeles fosse engolida pelo mar juntamente com "os shows horríveis e os idiotas gritando ao vento", resultando na fictícia baía do Arizona. O Tool colocou a idéia toda na música, resultando em uma bela homenagem ao falecido comediante. Além disso, no meio da música, Maynard manda diversos estereótipos se foderem, incluindo os "metidos a gangsters", "bandas de rock boazinhas" e L. Ron Hubbard, o pai da Cientologia.

A última música do disco, Third Eye, começa com um sample de Hicks e seu sketch "drugs and music".

"Eu acho que as drogas fizeram algumas coisas boas por nós, eu realmente acho. E se você não acredita que as drogas fizeram algumas coisas boas por nós, faça-me um favor: vá pra casa hoje à noite, pegue todos os seus álbuns, todas as suas fitas, todos os seus CDs e queime. Porque quer saber? Os músicos que fizeram toda essa música ótima e melhoraram suas vidas no passar dos anos... muuuuuito chapados de drogas".

Essa é apenas a introdução para um épico de mais de 13 minutos no melhor estilo do Tool. Guitarras pesadas, diversas texturas durante a música toda e extensas passagens instrumentais.

Ænima é um dos melhores álbuns lançados nos anos 90 pra quem gosta de música bem executada e criativa.

Recomendadíssimo.

Tracklist (clique para escutar):

Abaixo, o clip de Ænema:

Artista: Mike Patton; Álbum: Mondo Cane

2010-04-30T12:00:00.002-03:00

Artista: Mike Patton

Álbum: Mondo Cane

Ano: 2010

Gênero: Música Popular Italiana

Certamente Mike Patton é a figura mais recorrente neste blog. Dos 32 discos já resenhados aqui, 6 tiveram a participação direta do vocalista - isso sem contar o Medúlla, da Bjork, onde ele gravou vozes para duas músicas, e todos os outros que conheci por intermédio de alguma de suas bandas.

Desta vez, porém, venho resenhar um disco que não é estranho por si próprio, mas as circunstâncias o tornam, no mínimo, peculiar.

Em 2007, a Itália foi palco do primeiro show do Mondo Cane, um projeto de Mike Patton junto com uma orquestra de mais de 30 músicos. Qualquer pessoa que conheça um pouco da carreira de Patton saberia que tudo poderia ser esperado: Mike já cantou em tantos discos de tantos estilos diferentes que chamá-lo de "eclético" é pouco. E sempre caminhando para o mais experimental possível.

Entretanto, a platéia que assistiu ao primeiro show do Mondo Cane não escutou nada pesado e frenético quanto o Fantômas, elaborado quanto o Mr. Bungle ou o Faith No More, sexy como o Lovage ou direto como o Tomahawk. A platéia viu um Mike interpretando clássicos da música italiana gravados nas décadas de 50 e 60.

Patton tem uma ligação muito forte com a Itália: foi casado com a artista italiana Titi Zuccatosta por 7 anos e tinha uma casa em Bologna. Fala italiano fluentemente e desde os tempos de Mr. Bungle já dava indícios de seu interesse pela música e cultura do país - basta escutar a faixa Violenza Domestica ou as versões que a banda fazia de músicas de compositores italiano em seus shows - como La Lucertolla ou Muscoli Di Velutto, de Ennio Morricone, ou mesmo 24.000 Baci, que ficou famosa na voz do "Elvis Italiano" Adriano Celentano.

Voltando ao Mondo Cane: o projeto só foi ao estúdio recentemente e o primeiro disco será lançado no dia 4 de Maio, pela Ipecac Records - selo do próprio Patton. Porém, a internet permite que a gente tenha acesso a muitas coisas que antes eram impossíveis, e consegui resenhar o disco com alguns dias de antecedência.

Eu já havia escutado a banda ao vivo e até baixado o vídeo de ótima qualidade de um show feito em Amsterdã em 2008. Foi amor à primeira vista. O repertório é impressionante, passando por momentos extremamente românticos - bregas, alguns diriam - como Ore D'Amore, L'Uomo Che Non Sapeva Amare e Senza Fine, jazzísticos como Che Notte, suaves como Deep Deep Down e Scalinatella e até frenéticos, como L'Urlo Negro. Entretanto, não havia um registro devidamente produzido destas canções com a orquestra. Pois bem, aqui está.

Mondo Cane, o álbum, é extremamente bem produzido e traz os melhores momentos do repertório que a banda costuma executar ao vivo (apesar de ótimos momentos, como Pine, Fucile et Ochiali e Yeeeeeeh! não terem entrado no disco). A voz de Patton está impecável como sempre.

Os arranjos são um show à parte. A faixa de abertura, Il Cielo In Una Stanza, difere bastante da versão original, do compositor Gino Paoli. Além do uso de guitarras, o andamento da música e a interpretação de Patton são grandes atrativos da releitura.

Em outros momentos, porém, o arranjo é praticamente igual ao original. É o caso de Che Notte!, originalmente gravada por Fred Buscaglione em 1959 e Ore D'Amore, famosa na voz de Fred Bongusto.

Além de ter um ótimo tracklist, o disco também vale como um ótimo lugar para buscar referências. Uma faixa que me chama muito a atenção é a pesadíssima L'Urlo Negro, gravada originalmente em 1967 pela banda de rock The Blackmen. Particularmente eu não esperava que existisse esse tipo de música no fim dos anos 60, e a versão do Mondo Cane é bastante fiel à original exceto por uns poucos efeitos: os gritos estão todos lá.

Outra faixa que merece destaque é a belissima Scalinatella, originalmente de Roberto Murolo. O andamento mais lento do Mondo Cane deu uma melancolia incrível à canção, deixando-a tão boa quanto a original.

Belíssimo disco.

Recomendadíssimo.

Tracklist (originais ao lado):

1. Il Cielo In Una Stanza (Gino Paoli)

2. Che Notte! (Fred Buscaglione)

3. Ore D'Amore (Fred Bongusto)

4. Deep Deep Down (Ennio Morricone)

5. Quello Che Conta (Luigi Tenco)

6. L'Urlo Negro (The Blackmen)

7. Scalinatella (Roberto Murolo)

8. L'Uomo Che Non Sapeva Amare (Nico Fidenco)

9. 20km Al Giorno (Nicola Arigliano)

10. Ti Offro Da Bere (Gianni Morandi)

11. Senza Fine (Gino Paoli)

Escute as músicas clicando abaixo:

Abaixo, vídeos do Mondo Cane tocando Ore D'Amore e, abaixo desse, L'Urlo Negro:

Ore D'Amore:

L'Urlo Negro: